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motif artistique populaire De Wikipédia, l'encyclopédie libre
Pour la danse de la mort (Supplice ashanti), voir Danse de la mort (Atopere).
Pour les articles homonymes, voir Danse macabre (homonymie).
La Danse macabre est un motif artistique populaire à la fois présent dans le folklore européen et élaboré à la fin du Moyen Âge. Elle est un élément, le plus achevé, de l'art macabre du Moyen Âge, du XIVe au XVIe siècle.
La première Danse macabre semble être réalisée à Paris, au Charnier des Saint-Innocents en 1424. Elle se nourrit des inquiétudes des temps de crise en y répondant par la force de l'imaginaire. Par cette sarabande qui mêle morts et vivants, la Danse macabre souligne la vanité des distinctions sociales, dont se moque le destin, fauchant le pape comme le pauvre prêtre, l'empereur comme le lansquenet. C'est une leçon morale adressée aux vivants afin de réfléchir à notre condition : elle console les plus pauvres et apprend aux plus grands que personne n'est au-dessus des lois.
Sa composition se fait de manière hiérarchique : elle fait d'abord entrer les « grands » (pape, empereur, roi, cardinal ou patriarche) puis descend l'échelle sociale en faisant entrer les « petits » (laboureur, enfant, cordelier, ermite). Les vivants sont donc des personnages représentant les différentes strates sociales et les morts sont squelettiques, dansent, font des cabrioles, se moquent et entraînent vers la mort les vivants, en s'affublant de leurs attributs (couronne, épée, instruments de musique). Celle-ci était une allégorie qui confrontait les spectateurs et spectatrices à la réalité qui les entourait à l'époque[1]. Cette réalité était en fait que la mort était inévitable, et ce peu importe les croyances, l'âge et la classe sociale de la personne[1].
Tout au long du XVe siècle et au début du XVIe, ce thème est peint sur les murs des églises, dans les cimetières d'Europe du Nord, sur les murs extérieurs des cloîtres, les charniers, les ossuaires. Au-dessus ou au-dessous de l'illustration sont peints des vers par lesquels la mort s'adresse à la victime, souvent sur un ton sarcastique et empreint de cynisme. Il est diffusé à travers l'Europe par les textes poétiques colportés par les troupes de théâtre de rues.
Cette forme d'expression est le résultat d'une prise de conscience et d'une réflexion sur la vie et la mort, dans une période où celle-ci est devenue plus présente et plus traumatisante. Les guerres — surtout la guerre de Cent Ans — les famines et la peste, que représentent souvent les Quatre Cavaliers de l'Apocalypse, ont décimé les populations[2].
Le thème traverse les époques. De nombreux peintres (Hans Holbein le Jeune), poètes (Baudelaire comme dans Danse macabre (Baudelaire), Verlaine, Cazalis…), auteurs (Flaubert), musiciens (Liszt, Saint-Saëns, Benjamin Britten, Honegger, Hugo Distler), cinéastes (Fellini, Bergman dans Le Septième Sceau ou Jean Renoir dans La Règle du jeu…) s'emparent de celui-ci et permettent de redécouvrir ces œuvres tombées dans l'oubli.
La Danse macabre est une étape dans la représentation de la Mort. Ce thème apparaît après celui du Dit des trois morts et des trois vifs, du Triomphe de la Mort, de l'Ars moriendi, du Mors de la Pomme, des Vanités et des Memento mori.
Mais alors que la leçon du Triomphe de la mort présente l'individu mourant, ayant le temps de faire un dernier examen de conscience, la Danse macabre entraîne celui-ci immédiatement vers la pourriture, en montrant une Mort insensible aux inégalités sociales.
À l'origine, la Danse macabre constituait le sujet de représentations théâtrales populaires, les Mystères.
Elle prenait donc la forme d'échanges verbaux — le plus souvent de quatre lignes — entre la Mort et 24 personnes rangées par ordre hiérarchique. Un rôle prépondérant y était vraisemblablement attribué aux sept frères macabres, à leur mère et à Eléasar. Une représentation eut d'ailleurs lieu à Paris dans le cloître des Innocents en leur mémoire. D'où le nom consacré en latin de chorea macabæorum (danse macabre). D'autres théories prétendent que le mot « macabre » vient de l'arabe « makabir » qui signifie « tombeaux » ou « cimetière », ou encore d'un peintre du nom de Macabré. La prédication des Ordres mendiants contribua à la diffusion dans la chrétienté de ce thème du destin inéluctable de l'homme et de l'égalité de tous devant la mort.
Les poèmes des danses des morts sont d'abord des formes de sermon. Ils commencent toujours par les propos d'un prédicateur. Sur les 480 vers attribués aux vivants et aux morts, pas moins d'une soixantaine énoncent des proverbes ou des sentences en forme de proverbes[3].
Sur la plupart des fidèles, l'écrit n'avait d'action qu'indirecte, comme source d'inspiration des prédicateurs. Le passage à l'image est alors, pour les danses macabres comme pour tout autre thème de méditation, un moment capital. En 1424 sont entreprises les fresques décorant le mur du charnier des Saints-Innocents, en plein centre de Paris, peut-être les premières fresques représentant une danse macabre et certainement les plus célèbres alors[4]. Sous des scènes peintes entre les arcades d'une galerie, figurent à telle hauteur qu'on puisse les lire, les octains du poème de Gerson. Sous chaque arcade de l'architecture sommairement reproduite, sont logés successivement le récitant, quatre morts musiciens, puis deux couples mort/vivant et enfin le roi mort. Le fond est nu, si ce n'est la présence de quelques fleurs schématiquement dessinées. Les morts sont de formes allongées et dégingandées. Écorchés, ils ont l'abdomen ouvert et éviscéré. Souvent, ils s'inclinent ironiquement devant leur victime, s'accrochant au vivant qui précède et empoignant celui auquel ils s'adressent[3]. Cette peinture murale est aujourd'hui détruite[5]. Elle nous est parvenue à travers des gravures populaires que l'on retrouve dans le Manuscrit de Blois, au Cabinet des Estampes de la Bibliothèque nationale de France.
Dans cette œuvre, comme dans toutes les danses macabres qui ont suivi, les vivants défilent par ordre hiérarchique, avec tous les insignes de leur rang, alors que les cadavres qui se saisissent d'eux sont tous égaux et anonymes. Les textes présentent la mort comme le sort commun des princes et des manants qui seront également la proie des vers.
La danse macabre présente deux traits irréductibles à l'eschatologie ordinaire : d'une part, la survie terrestre du cadavre que suggérait déjà le Dit des trois morts et des trois vifs, lorsque les morts étaient représentés debout ; d'autre part le triomphe de ces revenants sur les dignités des hommes, alors même que les tombeaux montraient la victoire du défunt sur la mort.
Les cadavres animés de la danse macabre s'opposent diamétralement aux saints qui, dans la religion chrétienne, survivent à la mort en venant secourir ou punir les hommes avec tous les attributs de leur dignité. Les cadavres animés se comportent en jongleurs avec leurs instruments de musique, invitant les hommes à la danse –qui n'est pas considérée comme une activité pieuse- et ne se souciant pas de leur salut. Les saints, quant à eux, se recrutant presque tous dans le haut clergé ou l'aristocratie laïque et portant leur nom glorieux sur leur auréole, sont nus et anonymes. Présentés comme des jongleurs, souvent aussi comme des fossoyeurs armés de pelles et de pioches, ils occupent le bas de l'échelle sociale. S'adressant aux vivants, ils leur rappellent volontiers qu'ils avaient été des grands naguère. L'originalité de la danse macabre est donc de suggérer une eschatologie dans laquelle tous survivent sous la même forme misérable, une pérennité de l'anonymat[6].
La danse macabre est d'abord un phénomène urbain. Elle fait son apparition à Paris, décorait les cimetières de villes prospères et s'est diffusée par l'imprimerie. Elle n'est pas le seul thème iconographique à donner une image plus ou moins complète de la société humaine, non pas sous la forme idéalisée de la communion des saints, mais dans son existence terrestre. Or, la danse macabre en donne de loin l'image la plus exhaustive, en faisant une large place aux métiers. Si la tête du cortège, du pape aux cardinaux et aux princes, est occupée par des puissances lointaines, on voit ensuite défiler la société urbaine par le menu. La ville s'est représentée elle-même, en général pour la première fois.
Loin d'être secondaire, cette fonction de la danse macabre pourrait bien être sa principale raison d'être. En comparant les œuvres connues, on s'aperçoit qu'elles varient principalement par le nombre et l'ordre hiérarchique des personnages représentés.
Peindre une danse macabre est un problème comparable à l'organisation d'une procession ou d'un carnaval : le peintre et ses commanditaires représentent la société et, ce faisant, prennent position sur ce qui est représentatif ou non et sur l'ordre des préséances, sur le poids relatif des catégories sociales[6].
L'accueil européen de la danse macabre manifeste l'importance du thème du macabre au cours de la fin du Moyen Âge, tant au niveau des élites touchées par les manuscrits comme par les livres, que des catégories populaires : en France, en Angleterre, de simples villages se sont dotés de fresques représentant des danses macabres, si la plupart des fresques germaniques sont, pour leur part, urbaines[7].
Vers 1426, le moine anglais John Lydgate traduisit le poème; la représentation du charnier des Saints Innocents fut copiée sur les murs d'un des cimetières de la cathédrale Saint-Paul de Londres[8]. Le thème de la Danse macabre se diffusa ainsi en Angleterre.
On retrouve en 1463, à l'église Sainte-Marie de Lübeck, une Danse macabre apparue lors du passage de la « mort noire » (la peste). Cette peinture murale de la chapelle de la mort fut en partie annotée par Bernt Notke. Les vers en allemand populaire ont partiellement été conservés jusqu'à aujourd'hui.
La danse macabre y est représentée sous sa forme la plus simple : vingt-quatre figures humaines, ecclésiastiques et laïques, dans l'ordre décroissant de pape, empereur, impératrice, cardinal, roi, jusqu'au paysan, jeune homme, jeune femme et enfant. Chaque personnage y danse toujours avec sa mort. Cette fresque fut détruite au cours de la Seconde Guerre mondiale pendant le bombardement de Lübeck. Deux vitraux réalisés par Alfred Mahlau en 1955-1956 rappellent aujourd'hui dans cette chapelle ce chef-d'œuvre disparu.
À partir du milieu du XVe siècle, de nouvelles fresques apparaissent. Elles sont exécutées dans les églises d'Amiens, d'Angers, de Dijon ou de Rouen, aussi bien sur le sol que sur les façades.
Dans l'Espagne médiévale, les Danzas de la Muerte sont représentatives de la crise des Espagnes au sortir du bas Moyen Âge. L'attrait culturel pour cette forme de danse macabre dans la péninsule ibérique sera reprise avec la devise Viva la Muerte du camp nationaliste lors de la guerre civile au XXe siècle.
A la dança mortal venid los nascidos
que en el mundo soes de qualquier estado ;
el que non quisiere a fuerça de amidos
facerle e venir muy toste parado.
Pues ya el freire vos ha pedricado
que todos vayais fazer penitencia,
el que non quisiere poner diligencia
por mi non puede ser mas esperado.
À partir du milieu du XVIe siècle, les images de danses macabres se renouvellent et deviennent de plus en plus variées. Les vers sont parfois abandonnés.
À Bâle, dans un premier temps, les Danses macabres sont transférées de la basse ville à la haute ville, sur les murs du cloître. Le nombre et l'arrangement des couples dansants restent identiques mais un prêtre est ajouté au début et un pêcheur à la fin. Lors de la destruction des murs en 1805, il ne subsiste de l'original que quelques fragments, bien que des illustrations aient été conservées parallèlement aux vers. Ce qui est devenu la célèbre « mort de Bâle » donna une nouvelle impulsion à cette catégorie de représentations, bien que la poésie ait complètement abandonné le genre.
Herzog Georg de Sachse fit réaliser en 1534, le long du mur du troisième étage de son château, un bas-relief de pierre. Cette Danse macabre était d'une composition tout à fait novatrice avec 24 personnages et trois figures mortuaires grandeur nature, sans couple dansant. Cette œuvre fut très endommagée par le grand incendie de 1701, puis restaurée et transférée dans la paroisse de Dresde[9]. Cette représentation est à l'origine de celle de l'église de Strasbourg, qui montre différents couples dans lesquels chacun est invité à danser par sa mort[10].
La Danse macabre de la Marienkirche à Berlin date elle aussi des années 1470-1490. Nicolas Manuel peint une vraie Danse macabre entre 1514 et 1522 sur les murs du cloître de Berne, constituée de 46 images, qui ne sont plus aujourd'hui accessibles que sous la forme de reproductions.
Selon Holger Wetjen (Cette mort qui nous fascine), la danse macabre a développé deux idées théologiques de la Réforme : chacun est en relation directe avec la Mort, chez Luther: avec Dieu. L'image n'est pas sacrée, mais un objet neutre, elle sert de plan instructif[11].
Avec Hans Holbein le Jeune, la Danse macabre adopte une toute nouvelle forme artistique. Celui-ci met en scène l'irruption brutale de la Mort dans le travail et la joie de vivre. Cette représentation prend le pas sur l'idée que la mort n'épargne aucune classe sociale.
Ses œuvres (le plus souvent des gravures) parurent dès 1530 et furent largement diffusées sous forme de livres à partir de 1538.
L'un des livrets de colportage le plus fréquemment réédité au cours du XVIIIe siècle, L'Histoire nouvelle et divertissante du Bonhomme Misère, met en scène un personnage qui échappe à la faucheuse et devient immortel.
Charles Baudelaire et Cazalis ont écrit sur la danse macabre, Liszt et Saint-Saëns l'ont mise en musique.
D'autres auteurs ont exploité ce thème, dont :
« La Mort ne regarde ni le rang, ni les richesses, ni le sexe, ni l'âge de ceux qu'elle fait entrer dans sa danse[13]. »
La mort s'attaque à tous les genres, âges et milieux. Les fresques de Danse Macabre, où l'on peut voir différents personnages danser avec des squelettes, représentent en fait l'égalité devant la mort des divers états sociaux. En faisant danser les papes, les empereurs, les cardinaux, les rois mais aussi les laboureurs, les cordeliers, les enfants et les ermites avec les squelettes, on montre que la mort ne fait pas de distinction entre l'appartenance sociale des futurs morts et que tout le monde est susceptible d'être frappé par celle-ci[14].
Les squelettes dansent et se moquent de tous les personnages pour les entraîner vers la mort. Ainsi, de l'empereur à l'ermite, tout le monde connaîtra le même sort. C'est l'abolition des frontières sociales : il n'existe pas de caste privilégiée face à la mort ni de hiérarchie. Les hommes et les femmes sont égaux devant la mort[14] :
O creature raysonnable
Qui désires vie eternelle
Tu as cy doctrine notable
Pour bien finer vie mortelle.
La danse macabre s'appelle
Que chascun à danser apprant
A homme et femme est naturelle
Mort n'espargne petit ne grant.
En ce miroir chascun peut lire
Qui le convient ainsi dancer
Saige est celui qui bien si mire.
Le mort le vif fait avancer;
Tu vois les plus grans commencer,
Car il n'est nul que mort ne fiere.
C'est piteuse chose y penser.
Tout est forgié d'une matière.»[15]
Aussi, cette égalité est visible dans les compositions des premières Danses. Les morts - représentés par des squelettes - amènent les différents personnages vers la mort mais ne les dominent pas. Les morts et les vivants dansent ensemble. Ces morts ne sont pas terrifiants et menaçants : ils n'attaquent pas les vivants, ils les entraînent seulement dans leur danse. Les morts et les vivants sont ici encore à égalité. Mais, les Danses contemporaines remettent en cause cette égalité entre les morts et les vivants par la personnification de la mort. Petit à petit, on va individualiser la mort en lui attribuant un personnage — comme la faucheuse par exemple — ce qui va induire une hiérarchie entre les morts et les vivants[16]. Une fois représentée par un personnage, la mort domine les vivants. On passe d'une représentation des morts entraînant par la main les vivants à une représentation d'un personnage armé d'une faux qui vient tuer directement les vivants. La Mort se fait donc le juge cynique des vices des vivants.
Parmi les représentations murales de la Danse macabre, la France possède plusieurs peintures murales intérieures :
On trouve en Suisse plusieurs représentations murales de danses des morts[18],[19],[20] :
Plusieurs Danses des Morts comme représentations murales et comme gravures[21] ;
et des gravures :
Des chansons traditionnelles reprennent l'idée de danse macabre. Musicalement elles peuvent également partir du motif liturgique de la prose des morts (le Dies iræ liturgique). C'est le cas, par exemple, de deux chansons remontant au XVe siècle : J'ai vu le loup, le renard, le lièvre (ronde de Bourgogne) et Ay vist lou loup (bourrée auvergnate).
De façon plus libre, le cinéma fait aussi évoluer la danse macabre vers un « sabbat des trépassés », au cours duquel les morts sortent des tombes sans rencontrer les vivants et ne cherchent en aucun cas à se repentir, mais plutôt à célébrer en toute liberté — et le temps d'une nuit — leur statut particulier :
Dans l'épisode « Spooks » de Flip la grenouille (1932), Ub Iwerks fait danser morts et vivants.
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