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中国传统绘画，也称丹青，简称“国画”。指中华文化的传统绘画艺术，是琴棋书画四艺之一。狭义的国画指青绿设色画水墨画，而广义的国画则是中国传统风格的壁画、锦画、刺绣、重彩、水墨画、石刻乃至年画和陶瓷上的绘画等的艺术，也包括近代的中国油画和水彩画等。 国画历史悠久，在东周墓葬中出土过最早的帛画作《龙凤仕女图》，传世最早最完整的作品是顾恺之《女史箴图》的唐朝摹本。在五代十国以后中国文人艺术家得到了很高的社会地位。宋代以前绘图在绢帛上，材料昂贵，因此国画题材多以王宫贵族肖像或生活记录等，直至宋元两代后，纸材改良，推广与士大夫文人画兴起等，让国画题材技法多元。明代绘画推广到大众，成为市民生活的一部分，风俗画因此产生。清末，绘画材料多元，朝多方面发展。
“书画”则是书法和绘画的总称，尤专指中国传统的书法和绘画。由于中国作画传统以墨为主，并辅以书法题字，在画作上题诗，为书画同源之始，因此两者经常并称。中国古画“远取其势，进取其质”很多国古画的写实在于画家不仅仅是画出了形状，而且记录了建筑的结构，音乐乐器，舞蹈。很多学者根据这些了解到了以前的乐谱，舞步，甚至以前的小吃都可从画里摸索出来。
国画与西方绘画最大不同的区别是颜色调剂上，首先国画用的墨的主要调剂是胶，胶的稀释剂，可直接用清水，用其它色彩，也是以胶和，多以矿物质石青、石绿、朱砂等，都是可直接用水稀释的；而西方油画用色的调剂是油剂。
中国画的长宽高，倾向纵长或横长布局。这一特点可能与中国画使用丝绸作画布，而丝织品在古代有严格的形制规定有关[1]。但更为主要的是在南北宋时期有竖向到横向的转变。中国画经过了千百余年的演变，其中以南宋时期横轴长卷最为代表性。
中国山水画强调时间和空间的弹性。空间上，要从多个角度来观看事物，人像画的流传儿流传过，然而正如放弃色彩一般放弃了这种单一的看事物的方法。上升到了一个注重看画体验和画家表达形式的高度。
早期的中国绘画是画在丝绸上的，直到前1世纪发明了纸张后，丝绸渐渐被较低廉的物料所取代。而到东晋时期，绘画及书法在中国的朝廷圈子成为最受注重的艺术，而那些作品多数由贵族及学者所绘画。当时的绘画工具为由动物毛发制造的毛笔及由松制煤烟或动物胶制成的中国墨水。名书法家的作品在中国历史上均受到高度的重视，并会像画作一样挂在墙壁上。早期的中国画和宗教，信仰密不可分的。
在六朝时期，人们开始欣赏绘画的原本的美，而且亦会写下有关绘画的著作，他们在表达儒家思想如夫妇父子之礼的同时，亦会追求图像的美感，并有神仙气。如相传是顾恺之绝世遗作的《女史箴图》和《洛神赋图》，秀骨清像、临风登仙，不食人间烟火。[2]
在隋唐朝年间，宫廷人物画大为发展[3]，从画家周昉的作品中可以看出其主题环绕皇宫的人物如皇帝、仕女等，无论是《虢国夫人游春图》还是《簪花仕女图》，都弥漫着华美堂皇之气[2]。在南唐年间，人物画的优美的写实手法发展至颠峰。在此时期，有画圣之称的吴道子出现为中国画的发展带来转变。吴道子利用称为"兰叶描"的线条手法去表现事物，改变了当时盛行的顾恺之画派。自唐朝开始，山水画的数量开始增加，并分为李昭道的“青绿山水”与王维的“水墨山水”两派各自发展[4]。
到了宋朝，对地貌的描绘开始表现得较为隐约。画家们以模糊的轮廓去表现出远处的景物，而山的外形则隐没在浓雾中。绘画的重点放在表现出道教及佛教中天人合一的思想。在此期间著名的画家有《清明上河图》的作者张择端及以山水画著称的夏圭等[5]。除了以表现立体事物的手法为目标的画家外，另一些画家们则以另一目的去进行绘画，宋元以降，文人时代开始崛起，北宋苏轼提出以书法融合于绘画当中，而他及许多大文人等开始了文人画的风气[6]，以苏轼、米芾为代表，逐步确定了中国画崇尚平淡冲和的审美方式。而在此时开始很多画家都把绘画的重点放在如何表现物件的内在精神而不是其物质上的外表，更多关注笔墨自身的转变与变化。例如米芾长子，南宋大画家米友仁，发展了米芾技法，自成一家。其传世名作《云山图》，不在于他画的山像山、树像树，而是在于他的局部、细节，水墨横点、连点成片，虽草草而就，却不失天真，故自题其画曰“墨戏”[2]。
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元初以赵孟𫖯、高克恭等为代表的士大夫画家，提倡复古，回归唐代和北宋时的绘画传统，并且主张将书法入画，因此创造出重气韵、轻格律，注重主观抒情的元画风格。元画多呈现消极避世思想的隐逸山水，和象征清高坚贞人格精神的梅、兰、竹、菊、松、石等。从此以后，中国绘画里的文人山水画的典范风格就形成了。宋人作画大都在绢上，元人则喜欢用比较干的笔法，所以改用纸作画，除皴法以外，增多擦的效果，犹如中国书法一样。这时的构图，为了使画面的上方可以题上诗句，所以故意留出一角，题上自己作的诗句，使诗、书、画三者合成一体，直到今天，国画仍保有这种特色。元代的花鸟，以钱选最为有名，他主张临摹古画，所以他的花卉，很有宋人厚重典雅的趣味。[7]
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明朝初期，崇尚宋代画风的画家在宫廷、民间相当普遍，另一方面则有力求把宋朝画重生及转化。由画家戴进领导的“浙派”对当时画风影最大。明朝中期经济繁华，苏州形成“吴门画派”，其中以沈周、文徵明、唐寅、仇英四家最为著名。他们的作品大多以表现江南文人优雅闲适的生活。到了明朝后期，随着社会思潮的活跃，士大夫文人画更是向独抒性灵发展，以画为乐、以画为寄。
到了清朝早期，奉行个人主义的画家开始出现，他们一反以往遵行绘画的传统，而追求更为自由的画法。而到了17及18世纪，扬州及上海等大型商业城市因为商人出资资助画家们不断创新而令那些地点成为了艺术中心。到了18世纪后期及19世纪，中国画家接触到更多的西方绘画，一些画家完全舍弃中国画而追求西方画，另一些则力求融合两者，当中最为著名的为由农民家庭出身的齐白石。
自新文化运动开始，中国画家开始尝试西方画法，而油画亦在此时引入中国。在中华人民共和国早期，画家被鼓励从事社会主义现实主义。部分苏联的社会主义现实主义在不受改动下完整引入，在那时画家会被提供主题及被要求大量生产。此规限在1953年开始放宽，而在1956至57年间的百花运动中传统中国绘画得到了一次重生。在此期间由表现出农村日常生活的农民艺术画数量大增。在文化大革命期间，艺术学院被关闭，而有关艺术的期刊及主要艺术展览被停止，而在破四旧的运动中中国艺术亦受到重大的破坏。在文化大革命后，艺术学院及专业团体再次被成立，亦设立了与外国艺术团体的交流，与此同时中国艺术家亦尝试新的主题及技巧。
在这里泛指中国画的北方分支，包括以下流派：
江南分支包括以下流派：
岭南分支包括以下流派：
其他中国大陆当代画派诸如南昌画派、沂蒙画派、敦煌画派、和巴蜀画派因其中的中国画(设色水墨画)作品不占多数，因此不包括在此。
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