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西洋傳統藝術音樂 来自维基百科，自由的百科全书
古典音乐，亦称西洋古典音乐[1]，指根植于西方书面记录传统（包括宗教音乐和世俗音乐）的艺术音乐，包含了从大约11世纪直至当代的广大时间范围。这一艺术传统的中坚时期通常被划定为从1650年到1900年的这段时间，又称共晓时期。
西方音乐记谱法除了为演奏者预设了一段音乐的音高、速度、拍子、节奏，其特别之处在于对细节的处理也进行了描述，例如装饰音[2]与力度变化[3]，然而这些装饰音通常是为了尚未精通即兴演奏艺术的初学者而写的[4]，另一方面，力度变化在很多情况下没有标示，需要仰赖演奏者对音乐的内在了解去做诠释[5]。与其他乐种一样[6]，古典音乐在器乐方面有相当高度的发展，这与以歌曲为主的流行音乐形颇为不同。
古典音乐一词最早见于19世纪初期，最初是用于凸显从巴赫到贝多芬的这一段黄金时期。《牛津英语词典》中“古典音乐”（classical music）一词最早出现在1836年。至于“艺术音乐”一词的解释和定义，则有以下几个：[7]
由于古典音乐包含了极其众多的形式、风格、流派和历史时期，因此很难列举出适用于全部古典音乐作品的普适特征。然而，仍然可以找到一些其他音乐类型所不具备的，只有古典音乐所独有的特征。[8]
古典音乐的特征之一为详尽的记谱方式，除了基本的节奏和声高之外，还包含不同声部间的协调，和力度变化的标示。然而力度的变化细节其实很难用乐谱标明，且会随着诠释风格而不同，所以在很多数情况下是没有标示的，因此古典音乐的记谱法主要是为了具有复杂旋律组成的作品而存在。以巴赫的赋格为例，作曲者惊为天人地将大胆鲜明的多条旋律线条以对位法编制在一起，同时又不失密切关联的和声逻辑。[9]。
古典音乐中使用的多数乐器都是在19世纪中叶之前发明（通常比这还要早得多），在18、19世纪纳入乐队编制的。他们包括管弦乐团、弦乐团、管乐团中的各类乐器，还包括一些独奏乐器，如钢琴，大键琴和管风琴。交响管弦乐团是最为人熟知的古典音乐媒介[10]，它包含了弦乐器组，木管乐器组，铜管乐器组和打击乐器组。有时管弦乐团也会使用钢琴、竖琴、马林巴琴等色彩乐器丰富音色，也有大锤、马鞭、牛铃、大炮等比较独特的乐器。管乐团是另一类演奏古典音乐的团体，它包含了木管乐器组，铜管乐器组和打击乐器组。
相较于以歌曲为主的众多流行音乐，古典音乐发展出高度复杂的器乐形式，[11]包括协奏曲、交响曲、奏鸣曲、组曲、练习曲、交响诗及歌剧等。
古典音乐的作曲者多半渴望用其情感及智力的内涵，以及之间复杂的关系，更加追求对于音乐技法的探求而不是取悦大众，将这些层面放在其音乐中。其中许多杰出的作品会在不同的段落中，将动机或是音乐观念，以不同形式一再的重复过程。像赋格及奏鸣曲中就有许多这类的音乐元素。
作曲家想在作品创作中施展高超的技法，而古典音乐的表演者也想表现其演奏的技术。有许多学校及音乐学系都在从事古典音乐的研究及教学。
专业的古典音乐演奏需要专业的视奏及乐团合作能力，也要理解调性及和弦的原则，了解演奏实践，以及熟悉某一特定时期、特定作曲者或特定作品中的音乐风格，这些是受古典音乐训练音乐家的基本能力。
古典音乐的作品在使用对位法、主题、乐句、和声、转调、织体及音乐形式上，都会表现出艺术的复杂性。较大规模的组成形式（如交响曲、协奏曲、歌剧或清唱套曲）是由像乐句、乐段、乐章等较小的单位组成。乐曲的曲式分析都是希望对这些元素有更多的了解，因此在聆听乐曲时更可以有意义的聆听，也更可以欣赏作曲者的风格。
在当代古典音乐会中，约定俗成的观演礼仪是观众在乐章之间应当保持安静，不应鼓掌。该习俗起源自19世纪一些作曲家开创性的作品要求。例如门德尔松要求他的《第3号交响曲》演出中不应设置中场休息，而马勒在《悼亡儿之歌》之中明确表示该作品不应被观众掌声所打断。[12]
实际上，在更早期的古典音乐会中，观众在乐章之间鼓掌甚至叫好被作曲家视为作品的成功。莫扎特在给家人的信件中曾多次提到观众在作品演奏期间的掌声。例如在1778年7月3日他第一次指挥《第31号交响曲》时，观众对第一乐章和第三乐章报以热烈掌声，他因此开心地去吃冰淇淋庆祝。[13]在一些演出中如果观众对一些乐章反响特别强烈，该乐章甚至会被重复演奏。勃拉姆斯也将其《第1号钢琴协奏曲》演奏中观众的安静视为作品的失败。[14]
在19世纪，古典音乐会上开始出现职业喝彩人（claques），受雇在音乐会上鼓掌喝彩。这样的现象受到马勒、舒曼等作曲家反感，也促使他们在作品中加入观众不应鼓掌、不应中场休息等要求。在20世纪，随着音乐会现场录制的普及，乐章之间不鼓掌也成为更加普遍的礼仪要求。[15]
古典音乐的来源是教会的礼仪音乐及古希腊时期的研究，古希腊的亚里士多塞诺斯及毕达哥拉斯就已经有关于音乐的研究，古希腊的阿夫洛斯管及里拉琴也渐渐发展为现代的乐器，这个时期一般是计算到罗马帝国结束（476 AD）为止。当时留下来的音乐非常少，大部分都是古希腊的音乐。若依年代来区分，古典音乐可分为以下几个时期：
上述的时期只是约略的定义，有些时期之间有重叠，音乐家和其归类时期的音乐风格也不全然相同。例如对位和赋格是巴洛克音乐的特征，但也使用这二种音乐形式的海顿也被归类是古典主义的音乐家。贝多芬及勃拉姆斯是也常使用对位和赋格，但由于其音乐的其他特征，被归类在浪漫主义的音乐家。
以下是被定义为古典音乐特有的的体裁，主要是指管弦乐和合唱的作品。
以下是和其他类型音乐重复的体裁，但在商业的使用上要求较高难度的专业化演出方式，主要是指歌曲和轻音乐等。
古典音乐作曲者在作曲时，常常会将当时流行音乐的元素融入古典乐中，像勃拉姆斯就将当时学生的饮酒歌用在学术节庆序曲中，寇特·威尔的三文钱的歌剧，以及在二十世纪初期及中期，爵士乐对莫里斯·拉威尔等作曲家的影响等[16]。一些后现代主义、简约主义及后简约主义的音乐家承认其概念来自流行音乐[17]。
许多流行音乐也受到古典音乐的影响，包括从古典音乐衍生的歌，像卡农在1970年代就开始用在流行音乐中，也有出现跨界音乐的情形，也就是古典音乐家在流行音乐界受到好评的现象。[注 1]
古典音乐作曲者常会将民间音乐（由未受到古典音乐训练的人所创作的音乐，常常是口传的）用在古典音乐中。像安东宁·德沃夏克及贝多伊齐·斯美塔那等音乐家[18]用民间的音乐使其作品有特定民族的风格，而其他作曲家（像巴托克·贝拉）会使用来自民间音乐传统的特定主题[19]。
美国凯斯西储大学音乐学家劳勃·瓦尔瑟表示：“重金属音乐中最具有影响力的几位音乐家，都曾经钻研过古典音乐。他们对古典乐典范的改编与撷取，在重金属的发展史上走出崭新的路线，而且激发了近代金属音乐中和声与旋律语言的变化。”[20]
《葛洛夫音乐百科全书》线上版写着：“1980年代之后，具有影响力的金属吉他手如埃迪·范·海伦、兰迪・罗兹和英格威·玛姆斯汀等人，在和弦上广泛借鉴了18世纪的欧洲古典乐，特别是巴赫、瓦格纳与维瓦尔第。”[21]
美国金属乐团信徒成员科特・巴克曼指出：“如果做法正确，金属乐和古典乐的元素能十分吻合。古典跟金属可能是两种最共通的音乐，它们在音感、织体与创造力上有太多相似之处。”[22]
加拿大音乐制作人鲍伯·艾思林在纪录片《重金属之旅》采访中表示：“大多数早期专业、优秀的乐团，都是某些黑暗古典乐的乐迷。例如瓦格纳，他加进了低音大喇叭、超低音乐器，和两倍大的超低音巨型提琴，要两个人拉，一人在椅子上按弦一人拉弓。演奏开始时梁柱都跟着震动，太多低音了。当时扩大机还没发明，但古典乐已经开始有重金属味了。”[23]
根据苏格兰赫瑞瓦特大学的一份学术报告，由亚德里安・诺斯教授领导，针对六个不同国家、三万六千人进行的研究指出，金属乐迷与古典乐迷在个性上通常有其非常相似之处。亚德里安・诺斯教授向英国广播公司新闻表示：“我们认为原因是古典乐与重金属，这两种音乐具有某种相通的灵性内涵，它们充满戏剧性的激情，而且都具备充沛的张力”[24]。
古典音乐现今并不十分被人重视，因为主流音乐多为嘻哈乐与流行乐等等，而且古典音乐其商业价值降低，但是由于其发展历史久，音乐品质极高。其听的价值并没有被抛弃，所以现在在商业当中，多作为广告曲，背景乐以及电影配乐出现。例如普契尼的歌剧图兰朵中的咏叹调“今夜无人入睡”被BBC用作1990年世界杯足球赛的主题音乐，并由三大男高音普拉西多·多明哥、何塞·卡雷拉斯及卢奇亚诺·帕华洛帝演唱[25]。理查德·施特劳斯《查拉图斯特拉如是说》的序曲因1968年的《2001太空漫游》而出名，卡尔·奥夫的《布兰诗歌》则经常用在恐怖片中。在美国动画黄金时代，许多作品会用古典音乐为其配乐。著名的作品有华特·迪士尼的《幻想曲》、猫和老鼠的《约翰老鼠》以及华纳兄弟的《歌剧理发师》[注 2]。
除了上述的例子之外，其他曾用于各种节目的古典音乐作品还有：
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