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álbum de AFI (banda) De Wikipedia, la enciclopedia libre
Decemberunderground es el séptimo álbum de estudio de la banda de rock estadounidense AFI, lanzado el 6 de junio de 2006 por Interscope Records. Es el primer trabajo de la banda en este sello después de que DreamWorks vendiera su división musical a Universal Music Group y pasaran a integrar Interscope. El grupo comenzó a trabajar en el disco en 2004, poco después de cancelar la última gira en promoción a Sing the Sorrow debido al daño en las cuerdas vocales de Davey Havok donde los médicos le recomendaron dejar de cantar porque podría sufrir daños graves.
| Decemberunderground | |||||
|---|---|---|---|---|---|
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| Álbum de estudio de AFI | |||||
| Publicación | 6 de junio de 2006 | ||||
| Grabación | 2005-2006 en los Conway Studios y Sage and Sound Recording (Los Ángeles, California) | ||||
| Género(s) | |||||
| Formato | |||||
| Duración | 44:44 | ||||
| Discográfica | Interscope Records | ||||
| Productor(es) | Jerry Finn | ||||
| Cronología de AFI | |||||
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| Sencillos de Decemberunderground | |||||
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El periodo de grabación empezó en 2005 y se llevó a cabo principalmente en los Conway Studios y Sage and Sound Recording, en Los Ángeles, California. La banda optó nuevamente por el productor Jerry Finn luego de la buena experiencia que tuvieron con él en Sing the Sorrow. Aunque a las pocas semanas contaban con suficientes canciones escritas para realizar un álbum, el proceso les llevó más de un año y llegaron a escribir cerca de 120 canciones. El disco contó con un largo periodo de preproducción porque luego de seleccionar las canciones para grabar, querían era ir «al estudio y perfeccionarlas». Decemberunderground es un disco de que muestra al grupo experimentando con una paleta musical más amplia, donde incorporan elementos del punk, hardcore, rock, pop, música gótica, industrial y electrónica. Según Havok, el disco es el «resultado de siempre querer hacer algo diferente» y que representara algo que no hayan hecho antes.
Tras su lanzamiento, Decemberunderground recibió en su mayoría comentarios positivos por parte de la prensa musical, quienes llegaron a opinar que la banda no tenía «miedo de experimentar» y desarrollar un «sonido más épico y sustancial». Sin embargo, también polarizó a gran cantidad de críticos y seguidores por su drástico cambio de sonido respecto a materiales previos. Comercialmente es el disco más exitoso del grupo: alcanzó la primera posición en la lista Billboard 200 luego de vender 182 000 copias en su primera semana y recibió la certificación de platino en los Estados Unidos, Australia, Canadá, y plata en el Reino Unido.
Del álbum se extrajeron los sencillos «Miss Murder», «Love Like Winter» y «The Missing Frame». El primero de estos se convirtió en el más exitoso de la banda, alcanzado la posición 24 en el Billboard Hot 100 y ganando el premio al mejor video de rock en los MTV Video Music Awards 2006. Para promocionar el disco AFI realizó diversas giras por Europa, Norteamérica, Oceanía y Asia y participó en varios festivales, entre ellos el Warped Tour, Live Earth, The Bamboozle y Download Festival. Además, realizaron presentaciones en los MTV Movie Awards, Spike Video Game Awards y en Saturaday Night Live. Finalmente, publicaron el álbum en video I Heard a Voice: Live from Long Beach Arena, filmado en Long Beach Arena en diciembre de 2006.
En septiembre del año 2000 AFI publicó su cuarto álbum de estudio, The Art of Drowning, bajo el sello discográfico Nitro Records. El lanzamiento resultó un éxito y rápidamente se convirtieron en una banda «grande» para una compañía independiente.[1][2] Hacia mediados de 2001, el presidente de Nitro, Dexter Holland, se reunió con ellos y les comunicó que estaban sobrepasando los recursos que la empresa les podía ofrecer.[3] Al grupo todavía le quedaba un álbum pendiente por contrato, pero Holland les sugirió que consideraran la posibilidad de firmar con una discográfica más grande y así contar con mayores presupuestos y distribución a nivel global.[3][4] De esta manera, y a finales de ese mismo año, AFI firmó un contrato con la multinacional DreamWorks Records con el apoyo de Luke Wood, su vicepresidente de A&R.[5] De acuerdo con Wood, fue un «fichaje bastante competitivo» debido a la gran cantidad de discográficas que estaban interesadas en la banda.[2]
Con un presupuesto más amplio a su disposición, para su siguiente disco acudieron a Butch Vig, conocido por su trabajo en Nevermind (1991) de Nirvana, y Jerry Finn, productor de Enema of the State (1999) de Blink-182.[6][7][8] En marzo de 2003 el grupo lanzó al mercado Sing the Sorrow; el disco los catapultó al mainstream, fue aclamado por los críticos musicales y resultó ser el mayor éxito comercial de la banda hasta la fecha.[3][6] Las 100 000 copias que logró vender The Art of Drowning en los Estados Unidos en poco más de un año Sing the Sorrow las vendió en su primera semana de lanzamiento.[6][2] Al mes de su publicación la Recording Industry Association of America (RIAA) lo acreditó con un disco de oro y tiempo después alcanzó el platino, además, recibió certificaciones en países como Canadá, Australia y el Reino Unido.[9][10][11][12] El álbum produjo tres sencillos, «Girl's Not Grey», «The Leaving Song Pt. II» y «Silver and Cold»; todos consiguieron una gran presencia en las emisoras de radio de rock de los Estados Unidos y sus videos tuvieron rotación en canales como Fuse y MTV.[6][13]
En octubre de 2003, mientras se encontraban realizando la última gira en promoción a Sing the Sorrow en Norteamérica, el vocalista Davey Havok notó en una presentación en Vancouver, Canadá, que sus cuerdas vocales estaban dañadas.[14][15][16] AFI continuó la gira pero a principio de marzo, en un espectáculo en Florida, Havok se volteó hacia el guitarrista Jade Puget mientras cantaba «...but home is nowhere» para decirle que no podía seguir y se retiró del escenario.[14] A los pocos días, en Los Ángeles, le diagnosticaron nódulos.[17] Debido a esto, los médicos le recomendaron dejar de cantar de inmediato o se arriesgaría a sufrir daños graves.[18] Para la banda el curso de acción fue claro, cancelaron la gira y Havok se sometió a cirugía, y poco después inició lecciones de canto con una entrenadora vocal.[19][14][15]
Tan pronto cancelaron la gira, el grupo se tomó dos semanas de descanso e inmediatamente empezaron el proceso de escritura para su siguiente disco.[20] Pocos meses después lanzamiento de Sing the Sorrow DreamWorks vendió su división musical a Universal Music Group y AFI pasó a formar parte de Interscope Records.[21] Con este cambio, la banda notó lo diferente que era la dinámica de Interscope respecto a DreamWorks, el cual sentían que operaba más como un sello independiente.[22] Jade Puget y Havok sintieran la presión de estar en una discográfica tan grande y se tomaron un tiempo para adaptarse. En consecuencia, les llevó un largo período obtener un cuerpo de trabajo que pensaran que era «correcto».[23] Puget explicó:
«Hasta Sing the Sorrow, realmente no tuvimos éxito, así que era fácil: "no había expectativas sobre nosotros y escribir fue muy simple y orgánico". Después tuvimos que hacer un sucesor de ese disco, que se convirtió en oro y luego en platino. [En ese momento ya] estábamos en Interscope. Interscope era el sello más grande del mundo y teníamos que ofrecer algo. Si bien no queríamos sentarnos allí e intentar escribir un éxito, porque eso nunca funciona, sentimos que teníamos que hacer algo grandioso y algo mejor que el último disco».[24]
Puget y Havok escribieron en el sótano de Luke Wood, donde Elliott Smith compuso From a Basement on the Hill (2004) antes de su muerte, y también en la casa de Billie Joe Armstrong, vocalista y guitarrista de Green Day.[25][23] A las tres semanas contaban con un repertorio suficiente para crear un álbum, pero no querían tomar ese primer lote porque Havok tenía en mente contar con un gran volumen de canciones para elegir al momento de entrar al estudio.[26][27] Además, estas primeras pistas se las presentaron a Wood y a Jerry Finn, y ambos concordaron en que no estaban a la altura. Esto los frustró, pero también les ayudó a escribir mejores canciones, e inmediatamente compusieron «Miss Murder», «Summer Shudder» y «The Missing Frame».[22] El proceso se extendió más de un año y la dupla escribió alrededor de 120 canciones.[20][23][28]
El grupo consideró una «obviedad» colaborar nuevamente con Finn después de la buena experiencia que tuvieron con él en Sing the Sorrow.[26] A Puget le parecía una persona «realmente genial» y alguien que realmente sabía lo que hacia.[29] Luego de escribir se dirigieron junto al productor a una granja al norte de California para realizar una sesión de preproducción.[30] A pesar de tener bastante material, el bajista Hunter Burgan la consideró una sesión «rara» porque muchas canciones no tenían una estructura clara.[31] Radicarse en una granja lo sugirió Wood, que pensó en las bandas que iban a lugares remotos a componer como lo hizo The Rolling Stones con Exile on Main St. (1972), grabado en un castillo al sur de Francia.[24] En una entrevista Havok recordó: «Cuando llegamos allí [...] ninguno de nosotros quería estar ahí en primer lugar. Me perdí y me detuve en una gasolinera, y había un pollo. Caminando por la gasolinera. Quería dar la vuelta y volver a casa».[24]
Aunque no les gustó el lugar para llevar a cabo la sesión, en un momento se metieron «de lleno» y comenzaron a pulir el trabajo junto a Finn. Para Puget eso fue «parte de lo que hizo que las canciones realmente tomaran forma» y que estar en la granja dejara de ser una situación «irritante».[24] Al culminar realizaron otra etapa de preproducción en un estudio, esta vez al sur de California, donde continuaron trabajando en varias canciones y tuvieron momentos de improvisaciones que Burgan consideró «geniales». En este punto, aunque ya sabían que ciertas canciones iban a ser parte del álbum, todas las pistas en las que estaban trabajando aún eran contendientes a formar parte del disco.[31] Los integrantes no quisieron apresurarse para entrar al estudio, lo que les permitió dedicarle más tiempo a cada pista y prestarle más atención a sus detalles.[32] Además, gracias al largo proceso de preproducción, para Havok, «una vez elegidas las canciones, era cuestión de ir al estudio y perfeccionarlas».[27]
«Todos sabían que el «Love Like Winter» era una gran canción, pero no podíamos tocarla como banda. Terminó siendo la pista más difícil de grabar y tuvimos que seguir un camino bastante loco para alcanzarla. La maqueta [...] era tan impactante y completa, aunque no necesariamente lo suficientemente buena como para decir "aquí está una canción terminada", pero marcó un estándar muy alto para lo que la canción debía ser. [...] Todos teníamos diferentes ideas sobre cómo debía perfeccionarse y fue difícil abordarla porque había muchos elementos de programación [y por eso no podíamos] tocarla en una sala de ensayo, y creo que debido a eso Finn tuvo dificultad para entender exactamente cómo llevarla hasta el final.» —Burgan sobre «Love Like Winter»[31] |
La grabación empezó en 2005 y tuvo una duración de nueve meses.[33] Aunque acudieron a un total de seis estudios, Decemberunderground se grabó principalmente en los Conway Recording Studios y Sage and Sound Recording, ambos ubicados en Los Ángeles, California.[33][34] El grupo pasó más tiempo en el estudio que en otras ocasiones porque querían asegurarse «de hacer un [buen álbum]», además, les llevó más tiempo que de costumbre determinar las canciones que merecían ser grabadas porque querían ver qué tipo de «obra» crear y qué pistas incluir en ella.[20][33] Esto les dejó experimentar más que en otras ocasiones. Burgan mencionó que llegaron a componer y grabar una canción que «era una especie de épica, casi como una de esas canciones épicas al estilo de Led Zeppelin que tiene partes, movimientos y cambios», pero que nunca llegaron a completar.[31] Carson explicó que con el volumen de pistas «decentes» que tenían podrían haber hecho «cinco tipos de discos diferentes».[33] Además, comentó que Sing the Sorrow había sido «tan grande y grandioso» que el mayor desafío que tuvo la banda fue «descubrir» cómo no hacer otro igual: «Tuvimos que adoptar un enfoque diferente [...] Tuvimos que superarnos a nosotros mismos sin simplemente intentar ser más épicos».[20] En una opinión similar, Havok mencionó que existía una presión por hacer un disco que lo superara, y que finalmente «lo lograron».[35]
Puget estaba satisfecho con el sonido de guitarra logrado en Sing the Sorrow y del mismo modo creía haber encontrado su propio estilo, por lo que no deseó realizar cambios drásticos. No obstante, tanto él como Finn eran conscientes de la necesidad de hacer algo «un poco diferente» para distinguirlo de su antecesor.[36] Todas las guitarras que empleó las brindó el productor; entre ellas, una Telecaster, Telecaster Junior, Stratocaster y varias de la década de los sesenta. Por otra parte, para las secciones rítmicas se centró principalmente en dos Gibson Les Paul. En el estudio uso el amplificador Marshall Plexi modificado por Bob Bradshaw y en menor medida un Rectifier de Mesa. Aunque él ya poseía un Marshall Plexi, uso el de Finn porque «sonaba mejor».[36][29] El productor, que tenía cierto «desdén» por lo nuevo y digital y prefería los pedales analógicos, tuvo desacuerdos y peleas con Puget, que prefería los modernos. Por este motivo el guitarrista terminó empleando ambos.[29]
En el aspecto electrónico, Puget creó loops en el software de secuenciación Sony Acid Pro y en el Reason de Reason Studios, de donde también uso samples.[29] Además, empleó teclados de Nord Lead y Roland.[29] Los loops para las canciones se realizaban tanto antes como después de tener su sección de batería.[37] Por ejemplo, en «Miss Murder» Puget creó una base de percusión en la que el baterista Adam Carson no quiso interferir porque los elementos electrónicos proporcionaban la textura que él podía llegar a crear.[37] Carson dijo que «existía el riesgo de saturarla», por lo que eligió tocar «muy sencillo» y dejar que esa fuera la textura, para así encontrar «sinergia» entre la electrónica y su interpretación.[38] Asimismo, en «37mm», una canción que fue programada en su totalidad, Carson modificó el hi-hat para hacer que suene en vivo.[37]
Carson contribuyó rítmica y dinámicamente en las pistas que llegaban a la sala de ensayos como «esqueletos», que podían incluir «un par de acordes y una melodía».[39] No obstante, cuando se reunían también se encontraba con maquetas completas, donde le entregaban canciones con todas las partes en su lugar y una idea general del ritmo a tocar.[39] En los momentos en los que se enfrentaba a una canción que no le parecía «automáticamente clara», Finn lo «empujaba» para conseguir sus partes de batería.[40] Carson citó a «Endlessly She Said» y «Kiss and Control» como canciones en la que todas sus partes «fueron escritas, obsesionadas y hechas a medida para ser de una manera concreta» y en las que tuvo «libertad de crear» sus propios ritmos y su propia vibra.[40] De camino al estudio el baterista solía escuchar Nirvana porque estaba interesado en como Dave Grohl escribía hooks de batería y tenía la esperanza de escribir algún fill simple que sobresaliera.[38][41] Según él, «hay momentos en los que la batería pasa a un segundo plano», no por falta de una «buena parte de batería», sino porque sintió que necesitaba darle un enfoque «muy sólido y simple». En muchas ocasiones también decidió de manera conscientemente evitar «fills llamativos y atronadores».[39] En esto influyó Finn, que lo «animó a tocar un poco menos» en secciones de batería en las que lograba un enfoque más complejo.[40] Carson mencionó a «Kiss And Control» como la única en la que se acercó a «tocar demasiado» y comentó que hay partes en el estribillo final donde hizo fills con el bombo y en otro en los versos al estilo de Bonham. Incluso, la sintió como una canción para un baterista y «una oportunidad para agregar todo tipo de adornos».[37]
«Cuando se grabó [«Miss Murder»] tenía un ritmo constante de four-on-the-floor a lo Marilyn Manson. Me gustaba el ritmo constante, pero [no lo relacionado a Manson]. Crecí escuchando a Green Day desde muy joven, cuando aún tocaban en espectáculos pequeños. Cuando empezamos a tocar esta canción noté que inconscientemente cambié ese ritmo constante de cuatro tiempos a algo más parecido a lo que Tré Cool habría hecho». —Carson.[40] |
En el estudio el grupo tuvo problemas para concebir «Miss Murder» y especialmente «Love Like Winter», donde probaron «de todo para ver qué funcionaba». En ambas maquetas Puget realizó tantas pistas de programación que Finn le dijo que lo que estaba haciendo era imposible y que tenía que reducir el número porque no había tantos canales de audio disponibles.[31] Burgan explicó que «hicieron todo lo que se [les] ocurrió», y aún cuando el disco estaba casi terminado al final del proceso de grabación, tuvieron que ir a estudios adicionales para terminar de darle forma. En «Love Like Winter» personas externas a la banda les enviaban ideas de programación para ayudar a dar forma a la pista. El bajista profundizó: «Era como si todos hubieran escuchado algo que no estaba del todo ahí, pero que casi estaba, y era un poco difícil no rendirse por completo [...] no sabíamos qué hacer». Durante la grabación la pista de batería de esta canción cambió tantas veces, que al momento de realizar su parte de bajo, Burgan no sabía cómo iba a ser la percusión, lo que le dificultó «sumergirse» en una canción cuya estructura desconocía por completo. Incluso el día antes de la sesión de mezcla del álbum, Wood le sugirió a Burgan que continuara experimentando con nuevas líneas de bajo. Durante la reunión previa a la mezcla, que tuvo lugar en la casa del A&R, Burgan presentó tres pistas y permitió a quienes estaban presentes escucharlas y elegir la que prefirieran. En ese momento, Puget tomó secciones de las tres pistas y las fusionó en una única antes de introducirlas en un dispositivo de almacenamiento y entregárselas a Chris Lord-Alge.[31] Al mismo tiempo, el grupo tenía varias canciones programadas para grabar, pero que no estaban logrando ensamblar. Entre ellas «Summer Shudder», que Havok y Puget compusieron en su totalidad y que hasta ese momento nunca la habían interpretado como banda. La pista finalmente no formó parte del conjunto principal de canciones destinadas para el álbum, pero a Wood le encantó su maqueta y les solicitó que trabajaran en ella. Carson mencionó que se sentían atraídos por ella, y sabían que era buena, pero que en un principio no habían encontrado la manera de hacerla «encajar». No obstante, aunque en ese momento todos habían concluido sus interpretaciones para el disco, la banda accedió a grabarla.[31][37]
Decemberunderground es un disco de rock alternativo, post-hardcore y emo pop que muestra al grupo experimentando con una paleta musical más amplia, donde incorporan elementos del punk, hardcore, rock, pop, música gótica, industrial y electrónica.[42][43][44][33][45][46] En su álbum previo AFI incorporó elementos del emo y post-hardcore, pero en este, para Joe O'Brien de VWMUSIC se sumergen «por completo en la tercera ola» de la música emo.[47] De acuerdo con Andrew Kelham de la revista Rock Sound, Decemberunderground es «otro gran paso» de AFI «alejándose del mundo del punk y adentrándose en el mundo del rock» e, incluso, opinó que estaban dando un paso fuera del rock para adentrarse en el pop.[20] Para Havok, Decemberunderground es el «resultado de siempre querer hacer algo diferente».[20] El vocalista lo describió como un álbum «muy frío», «melancólico», no tan «agresivo», que musicalmente tiene un sonido «amplio y conmovedor» en donde las canciones son muy «enfocadas e intricadas».[48][27] El disco tiene una prominente influencia electrónica y del uso sintetizadores.[47] Puget dijo que aunque en canciones como «Death of Seasons» de Sing the Sorrow incursionan en este género de forma más evidente, en Decemberunderground está «mejor incorporado».[33] Carson comentó que Puget se había convertido «en un estudiante» en este ámbito, y que además de usar Pro Tools, Reason y programas digitales, en los últimos seis años se había vuelto «realmente bueno» en programar música. El baterista dijo que esta vez refinaron los elementos electrónicos para usarlos «como capa, como color, como una voz diferente, y aún [así] mantener la integridad de una canción de rock».[37] En este aspecto, para Kevin McFarland, de The A.V. Club, finalmente floreció el coqueteo de años con la electrónica y fue la primera vez que el grupo hizo posible plasmar su visión completa con este género.[44]
«[Decemberunderground] es definitivamente una exposición de lo que estaba sucediendo conmigo en el momento de escribir el disco, y fue un período realmente difícil para mí. Hay un sentido de desapego, desesperanza y extrañas sensaciones surrealistas de aislamiento.» —Havok sobre el contenido lírico del álbum.[49] |
Varios periodistas musicales han atribuido los temas del disco al desapego, la belleza, la muerte, el suicidio, la separación, la soledad y la desilusión.[50][48] Aunque el vocalista no se expresó sobre el significado de las letras, admitió que eran «menos vagas» que en previas ocasiones y las catalogó como «frías y distantes».[48][27] Havok mencionó que a la hora de escribir fue «más directo» y que eso «no fue un esfuerzo consciente». El cantante dijo que en eso podía ponerlo en una posición en la que las personas descifren de qué tratan las canciones y que eso lo sorprendería: «Nunca he lidiado con eso antes, pero no es tan aterrador, ya que al escribir la canción en primer lugar, me estoy exponiendo al público».[51] El medio Hybrid Magazine mencionó que las letras del disco «pueden ser unidimensionales, pero son memorables» y que «no puedes evitar sentir lo que» Havok sintió cuando las escribió, «incluso si no estás del todo seguro de lo que está hablando».[52]
Decemberunderground abre con «Prelude 12/21».[27] La canción empieza con teclados, se desarrolla con percusión, cuerdas, coros y no cuenta con el uso de guitarras.[53] El canto tiene influencia operística y cada verso culmina con Havok implorando: «Kiss my eyes and lay me to sleep» («Besa mis ojos y ponme a dormir»).[54] Carson, el técnico de batería Mike Fasano y Burgan crearon la parte instrumental con toms de piso y bombos, junto con pisotones y aplausos, proporcionados por el club de seguidores de la banda, Despair Faction. El baterista dijo que tocaron un patrón de percusión múltiples veces y luego lo ensamblaron en Pro Tools con el resto de la pista.[38] «Prelude 12/21» es una desviación del estilo del grupo y «sienta las bases para momentos artísticos» que se presentan en el disco.[53] Carson comentó que es «realmente genial y poderosa» y Havok mencionó que «tiene una presencia y una sensación muy cinematográfica».[38][27] La segunda canción, «Kill Caustic», es una pista hardcore con guitarras «machacantes» y «furiosas» que cuenta con un «breakdown» y donde vocalmente se alternan gritos y un canto melodioso.[27][55][53] Musicalmente es rápida y el sonido hardcore es reminiscente al antiguo estilo del grupo.[54][56] Havok afirmó que es un tema importante porque tiene vínculos con el pasado de la banda y la comunidad hardcore.[27][55] «Miss Murder» es el primer sencillo del disco y casi no forma parte del álbum porque creían que no era suficientemente buena.[24] Esta inicia con una línea de bajo seguido de su estribillo, donde se convierte en una canción de rock guiada por sintetizadores.[57] En su mitad tiene un interludio a ritmo lento donde vocalmente se acentúan los gritos del vocalista.[52] En el segundo verso la línea de bajo cambia y la canción pasa a un ritmo four-on-the-floor, con una línea de guitarra diferente y más agresiva.[25] Para el guitarrista, la parte vocal en los versos tiene una «vibra dramática» reminiscente a Dave Gahan de Depeche Mode.[58]
«Summer Shudder» es la última canción que grabaron para el disco y es una pista donde se acentúa la experimentación con la electrónica, precisamente en su introducción con sintetizadores.[56] Havok la describió como una canción «pegadiza» y «melódica» y al baterista le pareció una de las interpretaciones más sólidas del álbum.[27][55][37] «The Interview» es una balada que tiene una instrumentación intrincada y un sonido atmosférico construido en torno a la voz del vocalista.[27][45][54][56] Esta es una pista «íntima, melancólica y fría», con un aura «oscura», y para Havok, tiene un coro «grandioso».[27] «The Interview» culmina con un outro cantado a dúo con Puget sobre una pieza instrumental donde predomina el órgano.[54][52] La sexta canción, «Love Like Winter», es un tema de rock electrónico y synth pop con influencia de música industrial y un sonido remaneciente a la música de los años 80.[27][59][56][52][55][45] Cuando Puget la programó no la ideó como una canción para AFI, sino para su proyecto paralelo de música electrónica Blaqk Audio.[29] No obstante, cuando le agregó guitarras y bajo cambió de opinión. Puget programó toda la canción en su laptop, donde realizó el sonido de los pasos en la introducción, un «extraño» patrón de bombo con una baqueta lateral, golpes de violonchelo en notas negras y una «especie de ritmo de hip-hop» para el verso.[29] «Affliction» reúne aspectos musicales antiguos y nuevas del grupo, involucrando su lado hardcore y el pop.[54] La canción tiene constantes cambios de tonalidad y compás y se desarrolla con un ritmo frenético hasta sus dos últimos minutos, donde cambia de instrumentación y culmina con una larga coda donde predominan ritmos electrónicos, guitarra acústica y efectos vocales.[60][55][61][44] Havok la describió como «brutal y agresiva en todo momento» y la pista más «implacable del disco».[27] «The Missing Frame» es la octava pista y el cantante la catalogó como una canción protopunk inspirada por U2.[27] También ha sido comparada con composiciones de bandas post-punk como The Smiths y The Cure.[45][57][62][63][64]
«Kiss and Control» es un tema «oscuro y melancólico» cargado de efectos sonoros electrónicos y con guitarras pesadas, donde se intercalan versos cantados y estribillos enérgicos y «melódicos» donde predominan los gritos agresivos.[27][56][59] «The Killing Lights» es una canción pop «pegadiza y audaz» guiada por el bajo, la batería y un «efectivo» riff de guitarra, con un «agradable final de piano».[27][55][65] Cuenta con el único solo de guitarra en todo Decemberunderground, y al igual que «The Missing Frame», ha sido comparada con trabajos de las bandas The Cure, U2 o The Smiths.[65][56][62] «37mm» es una pista de synth pop y new wave basada en loops y con influencia industrial.[64][61][27][55] Es la canción más electrónica del álbum y comienza con una introducción de bajo distintiva, pasa a una ritmo «melancólico» y termina con una voz robótica repitiendo «We are no one, We are one» («No somos nadie, somos uno») sobre un ritmo pulsante.[45][54][66][66][56] Al igual que «Love Like Winter», en un principio Puget la ideó para Blaqk Audio.[29] La última canción, «Endlessly, She Said», es una balada «oscura y emocional» compuesta por cantos en forma de lamentos y gritos.[64][55][52] Carson dijo que «fue escrita y luego trabajada meticulosamente» y que es la canción más «desenfadada y orientada a la banda del disco».[40] La canción termina con Havok recitando las palabras: «I will wait straight through, as I wait for you, dear, endlessly» («Esperaré hasta el final, como te espero a ti, querida, eternamente»).[52] El vocalista comentó que tenía una «sensación muy íntima y personal» y que era una «excelente manera de cerrar el álbum».[27]
Su título, Decemberunderground, surgió de un montón de nombres que Puget tenía anotados para canciones. Precisamente, se extrajo de uno de los más largos y «encajó muy bien con todo el ambiente y tema del disco».[26] Havok señaló que era «un tiempo y lugar» que representaba «diciembre» y el «subsuelo», «donde el frío puede agruparse junto a la oscuridad y el aislamiento» y un «lugar a nuestros ojos donde las personas desapegadas pueden huir y encontrar consuelo».[67] Expresó que con esta idea no estaba intentando comunicar algo totalmente único, pero mencionó que el concepto estaba reflejado en el propio grupo, donde la mayor parte de su carrera existieron por debajo del mainstream junto a una comunidad que los rodeaba y apoyaba.[35] El título aparece en la quinta canción del disco, «The Interview», en la última estrofa: «I'll flee to decemberunderground, as you exhale, I breathe in and sink into the water underground, and I'll grow pale without you» («Huiré hacia el diciembre subterráneo, mientras exhalas, yo inhalaré y me sumergiré en el agua bajo tierra, y palideceré sin ti»).[34] Ricardo Baca, escribiendo para The Denver Post, dijo que aunque el título evocaba el espíritu incomprendido de la cultura underground, el disco era el intento más grande de la banda en adentrarse en el rock mainstream.[60]
| Calificaciones | |
|---|---|
| Fuente | Calificación |
| AbsolutePunk | Recomendado[55] |
| AllMusic |   [64] |
| Alternative Press |  [68] |
| The A.V. Club | B[53] |
| Billboard |   [69] |
| Blender | [70] |
| The Boston Phoenix | [71] |
| Entertainment Weekly | B+[72] |
| IGN |  [62] |
| MusicOMH | [56] |
| New York Post | [48] |
| The New York Times | [69] |
| The New Zealand Herald | [73] |
| NME | [69] |
| NOW Magazine | [74] |
| Punknews.org | [45] |
| Rolling Stone | [75] |
| Scene Point Blank | [59] |
| Slant Magazine | [54] |
| Spin | [57] |
| Stylus Magazine | C+[76] |
Al publicarse, Decemberunderground recibió reseñas mayormente positivas por parte de la prensa y crítica musical. Corey Apar de AllMusic dijo que era un disco con «arreglos intrincados, efectos de sonido y paisajes sonoros» que logró combinar sus raíces hardcore con «letras oscuras y emo», estética gótica, «sintetizadores» y «beats electrónicos».[64] Kyle Ryan de The A.V. Club notó que era un álbum «ambicioso» que aún conservaba el rock agresivo que tocaban en los años 90. También comentó que el disco tenía un enfoque «melódico» con «estribillos tremendamente pegadizos» y que ampliaba el sonido del grupo.[53] Maxine Shen de New York Post señaló que la marca distintiva de Decemberunderground era el «cuidado por los detalles» y que con cada escucha podías encontrar «elementos o aspectos» que no habías notado anteriormente.[48] En la misma línea, Ed Thompson de IGN afirmó que no se podía entender «después de solo una escucha» porque después oírlo «una docena» de veces revela «pequeños secretos y joyas sónicas». Thompson lo denominó el disco de AFI «más ambicioso hasta la fecha» y concluyó que habían encontrado una manera de dar un paso adelante, cuando Sing the Sorrow parecía ser «lo mejor que podrían lograr».[62] Ian Cohen de Stylus Magazine dijo que era «elegante, explosivo y futurista» y que estaba «diseñado para ser completamente infalible». No obstante, lo llamó un buen álbum con un «distintivo aroma» de oportunidades desaprovechadas.[76] Neil Strauss de Rolling Stone dijo que Decemberunderground era «una colección de buenas canciones», y aunque le pareció «disfrutable», comentó que en este se percibe «más ambivalencia que confianza» y que vio a los miembros del grupo «intentando convencerse a sí mismos de que es [un álbum] genial en lugar de creerlo verdaderamente».[75] Christa L. Titus, de Billboard, vio a la banda igual de cómoda tanto haciendo hardcore como pop y dijo que unen géneros estrechamente al tiempo que evitan sonar complejos.[77]
Los críticos notaron la influencia de música de la década de los 80s, comparando el material con obras de artistas de la época. Jason Heller de Alternative Press expresó que era «más pulido, elegante y angustiosamente impecable» que su predecesor y que se adentraba en el «pop» synth-wave y los himnos de rock de los años 80.[68] The New York Times dijo que era «sumamente entretenido» pero menos «cohesivo» que Sing the Sorrow, y que para músicos de este calibre, «imitaba demasiado» a los artistas de los que tomaban influencia.[66] En posición a estos comentarios, Aubin Paul de Punknews.org comentó que para tener «una combinación de tantas influencias inusuales», como Nine Inch Nails, The Cure y New Order, era en «musicalmente cohesivo». Paul también dijo que para ser una banda con sus orígenes en el hardcore y el punk, escribir un álbum de rock gótico inspirado en los años 80 era un «éxito absoluto».[45] Myles Griffin, del periódico Spartanburg Herald-Journal, mencionó que toma aspectos de Joy Division, The Cure y Depeche Mode «sin sonar completamente derivativo», además, que cada canción ofrecía algo «único y diferente» y que Decemberunderground estaba «lleno de himnos épicos y un sonido cambiante».[78] Por su parte, Scott Kara de The New Zealand Herald dijo que las canciones eran pegadizas y que era evidente la influencia de la música de los 80s.[73] Andrew Murfett, del periódico australiano The Age, dijo que aunque «presiona todos los botones correctos», era «poco probable» que atrajera el público crossover que buscaba. Murfett comentó que es muy «entretenido» pero «desordenado y ambiguo» y que alterna entre aciertos y perdidas de rumbo.[50] Brian Raftery de Spin remarcó el atractivo crossover del disco y dijo que tenía momentos sombríos y épicos.[57] Tom Sinclair de Entertainment Weekly dijo que era la «destilación más aguda y melódica» del estilo del grupo, pero comentó que las letras eran «incesantemente abyectas», y que a menos que fueras «realmente joven y desanimado», era «difícil empatizar» con tanta «miseria exquisitamente elaborada».[79] Greg Kot de Chicago Tribune mencionó que era ambicioso y que posee un sonido «amplio».[63] En el sitio web Scene Point Blank lo analizó un personal de cuatro personas; Neil dijo que tiene «buenas ideas» poco desarrolladas y que se veía «lastrado por la tendencia de AFI a estirarse demasiado o cambiar por el simple hecho de cambiar».[59] Scott dijo que suena a Sing the Sorrow, pero «adornado con más efectos e instrumentación para tratar de llenar los vacíos».[59] Por su parte, Alex N. comentó que incorpora aún más la agresión y excelentes sensibilidades pop que estaban presentes en su previo disco.[59]
«Si Sing the Sorrow se sintió y sonó como un giro inesperado, entonces Decemberunderground es una excursión completa, un viaje por senderos desconocidos [...] forjados familiarmente con hardcore punk, oscuridad y melodías épicas [...] llenos de sintetizadores, efectos electrónicos y abundantes melodías pop. Es una obra vibrante, versátil y valiente que una vez más distingue a AFI en cuanto a sonido de prácticamente cualquier otra banda. Decemberunderground cubre terrenos que pocos podrían haber esperado.» |
Decemberunderground también polarizó a gran cantidad de críticos y seguidores por su drástico cambio de sonido respecto a materiales previos, llegando a ser catalogados como «vendidos». En este aspecto, Matt de Scene Point Blank dijo que el material iba a hacer la mayoría de los lanzamientos de AFI hacen: «alienar a la mitad de su base de fanáticos, pero reemplazar a los punks descontentos con una nueva audiencia».[59] La revista NME dijo que Decemberunderground era, en su mayor parte, un «festival melancólico» compuesto de «clichés de rock» e «intentos un tanto risibles de synth-pop». Además, que el grupo «calculó su regreso de manera exquisita» con el auge de bandas como My Chemical Romance, y que el receso de la banda parecía «menos pereza y más un golpe maestro de marketing».[80] Michael Deeds de The Washington Post dijo que las canciones «no solo están por debajo del «innovador» Sing the Sorrow, sino que eran «más mainstream». Deeds comentó que el disco era un «puñado de sencillos mediocres y probablemente otro millón en ventas» y que en este punto de su carrera eran una banda con escasas «ideas realmente memorables, pero con cuentas bancarias abultadas».[61] En cuanto a las críticas negativas, Paul de Punknews.org dijo que esperar que regresaran a su viejo sonido era «negar el derecho de la banda a crecer».[45] Ricardo Baca de The Denver Post también se refirió a las críticas por el cambio de sonido y dijo que si no fuera por esto la banda seguiría relegada a tocar en clubs de hardcore.[60] En esta línea, Scott Shetler de Slant Magazine dijo que era un disco «accesible y artístico» que tenía «melodías pop pegajosas y coros épicos» y que no se podía reprochar a la banda «por suavizar su sonido para obtener el éxito mainstream que se merecían», especialmente cuando los resultados eran «tan buenos».[54] El medio Rock Sound dijo que «el cambio» era la única constante en la que se podía confiar de la banda.[20] Ariana Rock de Exclaim! mencionó que «toma los sonidos ásperos y los gritos de sus comienzos, y los mezcla perfectamente con órganos eclécticos, rupturas electrónicas». Rock también dijo que con este disco dieron pasos más allá de cualquier territorio en el que hayan estado antes y que el cambio de sonido era una «progresión natural» para la banda.[81] Drew Beringer de AbsolutePunk comentó que era una «obra de arte hermosamente oscura» y que lograron el «sonido grandioso» que buscaban. A Beringer le pareció que es una muestra de lo lejos que llegaron en su carrera y expuso:
«Para aquellos fanáticos de la vieja escuela de AFI que automáticamente lo odiarán porque no es como los álbumes de los primeros días, supérenlo. Sería un insulto al crecimiento de AFI como músicos escribir otro Art of Drowning o Black Sails In the Sunset. AFI tenía una visión específica al escribir este álbum, y era hacer un álbum que empujara aún más los límites. Decemberunderground logra eso y más, ya que muestra que no tienen miedo de experimentar y desarrollar su sonido hacia algo más épico y sustancial.[55]
Hybrid Magazine dijo que a pesar de a que a muchos se les pasara la frase «vendidos» por la mente, lo que buscaba la banda era «que evoluciones con ellos». El sitio dijo que a pesar de haber dejado sus raíces punk por un sonido más melódico, lo habían hecho con el propósito de siempre «crear algo nuevo».[52] Concluyó: «AFI nunca prometió ser una banda punk, simplemente prometieron ser una buena banda. Tal vez eso es lo que hace que Decemberunderground sea un álbum bastante sólido [...] Lo que AFI ha hecho por el rock moderno no es muy diferente a lo que Bon Jovi hizo por el hair metal de los años 80: "lo hicieron atractivo y lo llevaron a la casa de tu mamá"».[52] En una opinión retrospectiva, el sitio New Fury Media señaló que aunque las influencias pop fueron suficientes para ser catalogados como vendidos, era un buen álbum y una evolución importante para el grupo. El personal mencionó que era más que un conjunto de sencillos y seguía siendo un «disco vital que encaja como una pieza de rompecabezas en su discografía».[82] También en una visión retrospectiva, Kevin McFarland de The A.V. Club notó que si se conectaban los puntos desde álbumes previos, era inútil acusar a AFI de venderse. El crítico señaló que el álbum contenía los elementos de la ola emo de 2006 empapados en su máxima teatralidad y que sonaba a la banda sonora de cada Hot Topic de todos los centros comerciales de Estados Unidos. McFarland concluyó que AFI se arriesgó y acertó en el blanco demográfico en el momento justo.[44]
Decemberunderground es el disco comercialmente más exitoso del grupo y el único número uno de la banda en los Estados Unidos. En la semana del 24 de junio de 2006 debutó en la primera posición del Billboard 200 después de vender 182 000 copias; luego descendió al tercer lugar y en su última semana en los diez primeros puestos se ubicó en la novena posición.[83][84][85] El disco permaneció un total de treinta y ocho semanas en el conteo.[86] Decemberunderground también ingresó en la primera posición en la lista Top Rock Albums, donde se mantuvo por dos semanas.[87][88] En las listas anuales, alcanzó los lugares 77 y 16 en el Billboard 200 y Top Rock Albums, respectivamente.[89][90] En agosto de 2006 la Recording Industry Association of America (RIAA) lo certificó con un disco de oro por vender 500 000 copias, y aunque para 2009 había vendido 993 000 unidades, no recibió la certificación de platino hasta abril de 2013.[91] En Canadá, también el 24 de junio de 2006, alcanzó el segundo puesto en el conteo Canadian Albums Chart, por detrás del álbum Taking the Long Way del grupo country Dixie Chicks.[92] En junio de 2019 la organización canadiense Music Canada le concedió un disco de platino tras vender más de 100 000 unidades.[93] En Australia debutó en la tercera posición del ranking oficial, detrás de Best Of de Chris Isaak y Stadium Arcadium de Red Hot Chili Pepper.[94] El disco permaneció diez semanas en el conteo y posteriormente la Australian Recording Industry Association (ARIA) lo certificó con un disco de platino por ventas mayores a 70 000 copias.[95] Por otra parte, en Nueva Zelanda alcanzó la posición veinte.[96] Al igual que en discos previos, Decemberunderground no tuvo tanto éxito en Europa; alcanzó el lugar cincuenta y ocho en Alemania, sesenta y seis en Irlanda y 181 en Francia.[97][98][99] Aun así, consiguió una mejor recepción en el Reino Unido, donde el 4 de junio de 2006 logró el puesto 16 en el Official Albums Chart y el 2 en el Rock & Metal Albums.[100][101] En este país la Industria Fonográfica Británica (BPI por sus siglas en inglés) le concedió un disco de plata por ventas superiores a 60 000 copias.[102]
El ciclo promocional del disco comenzó a finales de 2005 cuando el grupo lanzó una búsqueda del tesoro llamada Charlotte’s Mystery.[103][104][105] Esta llevó a los seguidores a indagar y hallar pistas en sitios web, archivos de audio, mensajes en contestadores automáticos, anuncios clasificado en periódicos, tiendas de cómics, entre otros. En marzo de 2006, en una entrevista con MTV, Puget destacó el tiempo y esfuerzo invertido por los seguidores y mencionó que la búsqueda «tenía una narrativa», además, que estaba relacionada con la imaginería, las letras, las canciones del álbum y que su fin era más grande que revelar el título del disco.[104] Cuando culminó, aquellos que lo completaron ganaron entradas para shows privados que AFI realizó en Nueva York, Los Ángeles y San Francisco.[105] Durante el transcurso del evento el grupo reveló su fecha de lanzamiento y poco tiempo después la lista de canciones.[106][107] En mayo la banda anunció una serie de listening parties que abarcaron varias ciudades de los Estados Unidos y Canadá, y una semana antes del lanzamiento, Decemberunderground se puso a disposición en streaming en los sitios web de Much Music y MTV.[108][109][110][111] Interscope Records finalmente publicó el material el 6 de junio de 2006.[112]
A principios de abril de 2006 AFI estrenó un fragmento de treinta segundos del primer sencillo «Miss Murder» en la estación de radio Live 105 de la Bahía de San Francisco y fue tan popular que Interscope accedió a que reprodujeran la canción completa al aire antes de lo planeado.[44] «Miss Murder» es la pista más exitosa de la banda y fue la primera canción del grupo en ingresar a la lista Billboard Hot 100; esta debutó en el puesto 97 en mayo de 2006 y en su sexta semana alcanzó su máxima posición en el lugar 24.[113][114] El sencillo también alcanzó la cima en la lista radial Alternative Airplay donde se mantuvo durante cinco semanas.[115] Su video, dirigido por Marc Webb, se filmó en el Ayuntamiento de Los Ángeles y en él el grupo buscó crear una «trama vaga» pero con imágenes impactantes.[116][117]
El segundo sencillo, «Love Like Winter», se estrenó en septiembre de 2006 en las emisoras de radios de los Estados Unidos.[118] La canción alcanzó el puesto 68 en el Billboard Hot 100 y el cuarto en la lista Alternative Airplay, por detrás de «Anna-Molly» de Incubus, «Welcome to the Black Parade» de My Chemical Romance y «Snow (Hey Oh)» de Red Hot Chili Peppers.[119][120] A diferencia de «Miss Murder», «Love Like Winter» entró en las listas de pop donde logró el puesto 71 en el conteo Pop 100.[121] Su video, que también lo dirigió Marc Webb, tiene un enfoque narrativo sobre el amor y el miedo; este se desarrolla en un paisaje frío y desértico en invierno y Puget lo catalogó un videoclip «oscuro y cinematográfico».[122] Este fue un éxito y alcanzó la primera posición en el programa TRL de MTV, donde se mantuvo en la cima en seis ocasiones.[123] El tercer y último sencillo, «The Missing Frame», se publicó en febrero de 2007, no contó con video musical y tampoco tuvo una buena recepción comercial.[124][125] Aunque «Summer Shudder» no se publicó, tuvo rotación en las emisoras de música alternativa a principios de 2007 en los Estados Unidos.[124]
En mayo de 2006 el grupo se presentó en los festivales The Bamboozle y HFStival y a principios del mes siguiente actuaron en los MTV Movie Awards 2006 e interpretaron «Miss Murder».[126][127][128] Luego del lanzamiento de Decemberunderground la banda emprendió una gira de verano por Canadá y los Estados Unidos con The Dillinger Escape Plan, Nightmare of You y Darker My Love como teloneros.[129][130][131] Durante el transcurso de la misma la AFI también apareció en espectáculos seleccionados del festival Warped Tour y en el San Diego’s Street Scene.[132][133] Poco después estuvieron en las fechas de Tokio y Osaka del Summer Sonic y en el festival Bumbershoot en Seattle, Washington, a lo cual le siguió una breve gira por la costa oeste de los Estados Unidos con el apoyo del grupo Tiger Army.[134][135][136] En esta, la banda filmó el concierto que tuvo lugar el 15 de septiembre en el Long Beach Arena y lo publicaron en diciembre de 2006 bajo el título I Heard a Voice: Live from Long Beach Arena.[137][138]
En octubre viajaron a Europa y realizaron tres conciertos en Alemania antes de embarcarse en una tour por el Reino Unido.[139][140][141] Esto dio paso a tres espectáculos en los Estados Unidos y a mediados de noviembre incurrieron a una breve gira por Nueva Zelanda y Australia.[142][143][144] Antes de terminar el año, encabezaron varias presentaciones en festivales radiofónicos como el WOCL No Snow Show, 99x Mistletoe Jam 2006, KDGE How the Edge Stole Christmas 2006, KROQ Almost Acoustic Christmas 2006 y 91X Nightmare Before Xmas.[145][146] Esos conciertos los intercalaron con varias actuaciones; el 8 de diciembre interpretaron «Summer Shudder» en los Spike Video Game Awards y poco después participaron en una AOL Sessions donde interpretaron «Endlessly, She Said» y un versión de «Ziggy Stardust» de David Bowie.[147][148][149][150] El grupo cerró el año siendo parte del evento musical MTV Goes Gold: New Year's Eve 2007 en Nochevieja, realizado en los estudios de MTV en Times Square, donde interpretaron «Love Like Winter» y una versión de «Song 2» de Blur.[151][152] Al año siguiente, precisamente en enero, el grupo asistió al programa de medianoche Saturday Night Live donde tocaron «Miss Murder» y «Love Like Winter».[153] Al mes siguiente realizaron varios conciertos por Norteamérica, incluyendo uno en México, y seguido se embarcaron en una gira por Europa que duró de abril a mayo.[154][155][156][157][158][159] Finalmente, en julio tocaron en el Giants Stadium por motivo del Live Earth y celebraron su último concierto en octubre en el Download Festival, Inglaterra.[160][161]
En el ciclo promocional de Decemberunderground, las nominaciones a premios que recibió la banda las acaparó el sencillo «Miss Murder». Este recibió tres nominaciones en los MTV Video Music Awards 2006 en las categorías mejor video de rock, mejor cinematografía y mejor dirección. La banda resultó victoriosa en la primera de estas, donde compitió junto a los grupos 30 Seconds to Mars, Green Day, Panic! at the Disco y Red Hot Chili Peppers.[162] No obstante, perdió contra «Crazy» de Gnarls Barkley en mejor dirección y «You're Beautiful» de James Blunt en mejor cinematografía.[163] «Miss Murder» recibió la nominación a mejor video del año en los Premios Kerrang! de 2006, pero perdió contra «Sugar, We're Goin Down» de Fall Out Boy, y en la edición de 2007, perdió en la categoría de mejor sencillo contra «The Kill» de 30 Seconds to Mars.[164][165] La canción tampoco resultó victoriosa en los nominaciones que obtuvo en los MuchMusic Video Award y los Premios MTV Australia.[166][167]
| Año | Ceremonia de premiación | Obra nominada | Categoría | Resultado | Ref. |
|---|---|---|---|---|---|
| 2006 | MTV Video Music Awards | «Miss Murder» | Mejor video de rock | Ganador | [168][163] |
| «Miss Murder» | Mejor cinematografía | Nominado | |||
| «Miss Murder» | Mejor dirección | Nominado | |||
| Spike Video Game Awards | «Summer Shudder» | Mejor canción en un videojuego | Nominado | [147] | |
| Premios Kerrang! | «Miss Murder» | Mejor video | Nominado | [164] | |
| 2007 | «Miss Murder» | Mejor sencillo | Nominado | [165] | |
| MuchMusic Video Awards | «Miss Murder» | Dúo o grupo internacional del año | Nominado | [166] | |
| Premios MTV Australia | «Miss Murder» | Download of the year | Nominado | [169][167] | |
AFI grabó al menos 19 pistas y 12 terminaron en su versión final. De las siete canciones que no conformaron en el álbum, tres estuvieron disponibles como bonus tracks: «Falling Like the Sky», «On the Arrow» y «Rabbits Are Roadkill on Rt. 37». Las otras cuatro, «Ether», «The View From Here», «Fainting Spells» y «Carcinogen Crush», estaban planeadas para lanzarse en un EP luego del lanzamiento de Decemberunderground, pero nunca se concretó por problemas que tuvieron con las políticas de la discográfica. Puget declaró que se atrasó tanto el lanzamiento y estaba tan cerca de las grabaciones del siguiente disco, que no tenía sentido lanzarlo.[170][171][103]
| Versión estándar[34] | ||||||||||
|---|---|---|---|---|---|---|---|---|---|---|
| N.º | Título | Duración | ||||||||
| 1. | «Prelude 12/21» | 1:34 | ||||||||
| 2. | «Kill Caustic» | 2:39 | ||||||||
| 3. | «Miss Murder» | 3:26 | ||||||||
| 4. | «Summer Shudder» | 3:06 | ||||||||
| 5. | «The Interview» | 4:16 | ||||||||
| 6. | «Love Like Winter» | 2:45 | ||||||||
| 7. | «Affliction» | 5:28 | ||||||||
| 8. | «The Missing Frame» | 4:40 | ||||||||
| 9. | «Kiss and Control» | 4:18 | ||||||||
| 10. | «The Killing Lights» | 4:04 | ||||||||
| 11. | «37mm» | 3:55 | ||||||||
| 12. | «Endlessly, She Said» | 4:26 | ||||||||
| 44:44 | ||||||||||
| Bonus tracks del Reino Unido[173] | ||||||||||
|---|---|---|---|---|---|---|---|---|---|---|
| N.º | Título | Escritor(es) | Duración | |||||||
| 13. | «Rabbits are Roadkill on Rt. 37» | 3:51 | ||||||||
| 14. | «Head Like a Hole» (cover) | Trent Reznor | 4:43 | |||||||
| Bonus tracks de Japón[174] | ||||||||||
|---|---|---|---|---|---|---|---|---|---|---|
| N.º | Título | Escritor(es) | Duración | |||||||
| 13. | «Rabbits are Roadkill on Rt. 37» | 3:51 | ||||||||
| 14. | «Head Like a Hole» (cover) | Reznor | 4:43 | |||||||
| 15. | «Don't Change» (cover) | INXS | 3:16 | |||||||
Semanales
|
Anuales
|
| Predecesor: Taking The Long Way de Dixie Chicks[179] |
 Billboard 20024 de junio de 2006 — 1 de julio de 2006 |
Sucesor: The Big Bang de Busta Rhymes[84] |
| Predecesor: Stadium Arcadium de Red Hot Chili Peppers[87] |
Top Rock Albums 24 de junio de 2006 — 8 de julio de 2006 |
Sucesor: Define the Great Line de Underoath[88] |
| País | Organismo certificador |
Certificación | Ventas certificadas |
Ref. |
|---|---|---|---|---|
.svg){kind=small} Australia |
ARIA | Platino | 70 000 | [95] |
 Canadá |
Music Canada | Platino | 100 000 | [93] |
| Estados Unidos |
RIAA | Platino | 1 000 000 | [91] |
 Reino Unido |
BPI | Plata | 60 000 | [102] |
Créditos adaptados del libreto de Decemberunderground.[34]
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