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concepto en arquitectura De Wikipedia, la enciclopedia libre
La arquitectura nocturna, también denominada arquitectura iluminada y, sobre todo, en alemán, arquitectura de la luz, es la arquitectura diseñada para maximizar el efecto de la iluminación nocturna, que puede incluir luces desde el interior del edificio, luces en la fachada o que perfilan elementos de la misma, publicidad iluminada e iluminación de focos.
Con el auge de la iluminación artificial en los siglos XIX y XX, los arquitectos fueron cada vez más conscientes de que era un elemento que debía integrarse en el diseño; su uso deliberado ha sido popular en diversas épocas, incluyendo el diseño de rascacielos y otros edificios comerciales en las décadas de 1920 y 1930, en las de 1950 y 1960, y en la arquitectura moderna de ciudades festivas.
El término se atribuye a Raymond Hood, que escribió en un número especial del Bulletin de la General Electric Company, también titulado "Architecture of the Night", en febrero de 1930.[1] Escribió:
Las posibilidades de la iluminación nocturna apenas se han tocado. . . . Con el tiempo, la iluminación nocturna de los edificios se va a estudiar exactamente como Gordon Craig y Norman Bel Geddes han estudiado la iluminación de los escenarios. Se probarán todos los medios posibles para obtener un efecto—el color, la variación de las fuentes y la dirección de la luz, el patrón y el movimiento. . . . La iluminación de hoy es sólo el comienzo de un arte que puede desarrollarse como nuestra música moderna se desarrolló a partir del simple golpeo de un tom-tom.[2][3][4]
Sin embargo, los arquitectos y diseñadores llevaban tiempo preocupados por el concepto. El término alemán Lichtarchitektur (arquitectura de la luz) aparece por primera vez impreso en un ensayo de 1927 de Joachim Teichmüller en Licht und Lampe, otra publicación técnica de electricidad, pero él lo había utilizado como rótulo mural en una exposición cinco meses antes,[5] y hubo una larga historia precedente de discusión más o menos metafísica en Alemania sobre la arquitectura "cristalina", la "disolución" de las ciudades y el concepto de la Stadtkrone' (corona de la ciudad), sobre todo entre los miembros de la Gläserne Kette (Cadena del Vidrio).[6] (Louis I. Kahn tenía una visión metafísica similar, diciendo en 1973 en su conferencia en el Instituto Pratt que "la luz es realmente la fuente de todo ser".[7])
En su ensayo, Teichmüller distingue entre el diseño de la iluminación y la arquitectura de la luz, que sólo se producirá a través de la integración de las preocupaciones del ingeniero de iluminación con las del arquitecto, de modo que se realice el propio "poder de configuración del espacio de la luz": La luz arquitectónica puede conducir a la arquitectura de la luz si con ella, y sólo con ella, se producen efectos arquitectónicos específicos, que aparecen y desaparecen simultáneamente con la luz[8] También en 1927, Max Landsberg escribió que los centros comerciales presentaban ahora aspectos tan diferentes de día y de noche que debía distinguirse la arquitectura del día y de la noche. Abogaba por "no sólo reglamentos, sino planificación y concursos" para facilitar el desarrollo de esta última y poner orden en el caos publicitario actual.[9] Ese mismo año, Hugo Häring preveía que la "cara nocturna" de la arquitectura pronto eclipsaría a la "cara diurna"[10] Y también ese mismo año, Walter Behrendt dedicó un apartado de su libro Sieg des neuen Baustils (edición traducida: La victoria del nuevo estilo de construcción) a la "iluminación artificial como problema de forma" y definió que una de las tareas de la nueva construcción era:
no sólo utilizar estas nuevas posibilidades [de iluminación eléctrica] sino también diseñarlas, [con lo cual] la iluminación se explota en un sentido funcional, es decir, se convierte en una herramienta eficaz para diseñar el espacio, explicar la función y el movimiento espacial, y acentuar y reforzar las relaciones y tensiones espaciales.[11]
Los ejemplos de Behrendt incluyen un interior: la iluminación de una escalera en el edificio de la Cruz Roja de Otto Bartning en Berlín mediante luminarias tubulares colocadas bajo las esquinas de los tramos de la escalera, "subrayando la tendencia al movimiento de la escalera"."[12]
Una aprobación británica del mismo concepto, el libro de P. Morton Shand Modern Theatres and Cinemas (1930), se limita a la iluminación exterior, pero abarca la publicidad, que seguiría siendo un punto de controversia:
La arquitectura nocturna es algo más que una fase transitoria o un mero truco. Es un tipo definitivo de diseño moderno con inmensas posibilidades para embellecer nuestras ciudades, que está abriendo perspectivas totalmente nuevas y sin obstáculos de composición arquitectónica. La iluminación publicitaria se está convirtiendo para la arquitectura en lo que los pies de foto y los diseños son para el periodismo— una parte nueva e integral de su técnica, que ya no puede ser ignorada o ridiculizada con sonrisas académicas superiores de "el arte por el arte".[13]
Las compañías eléctricas promovieron la integración del diseño de la iluminación en la arquitectura, a partir de las Ferias Mundiales de finales del siglo XIX.[15] A finales de la década de 1920, General Electric exhibía maquetas de edificios en sus instalaciones de investigación de Nela Park, en Cleveland, para ilustrar la publicidad eléctrica moderna y la iluminación de los edificios, así como el alumbrado público, y tanto General Electric como Westinghouse construyeron teatros en los que mostrar paisajes urbanos bajo diferentes condiciones de iluminación.[16]
La iluminación de edificios y monumentos, desarrollada y perfeccionada por ingenieros de iluminación como Luther Stieringer y Walter D'Arcy Ryan en sucesivas ferias, se fomentó como una forma de mostrar los edificios más destacados de una ciudad, especialmente los rascacielos: el primer intento de iluminar la Estatua de la Libertad tuvo lugar en 1886, la parte superior del Singer Building se iluminó en 1908, el Capitolio cúpula de Washington, D. C. durante la Primera Guerra Mundial.[17] Pronto se descubrió que el ángulo y la naturaleza de las luces distorsionaban los rasgos arquitectónicos; en la misma publicación promocional que el ensayo de Hood, Harvey Wiley Corbett defendió que la forma del edificio tuviera en cuenta la iluminación desde el principio, en una continuación de los cambios que ya se habían producido, como la eliminación de la cornisa. "La forma de la parte iluminada debe estar tan ligada al resto del edificio que debe aparecer como una joya en un entorno, formando una parte coherente de toda la estructura". La forma de rascacielos retranqueada era la mejor desde este punto de vista, y Hood sostenía que la arquitectura clásica simplemente no debía iluminarse.[18] La iluminación por inundación también influyó en los materiales de muchos edificios: en la Exposición Universal de San Francisco de 1915 en San Francisco, se utilizó un acabado rugoso por consejo de Ryan para difundir la luz y evitar el deslumbramiento,[19] y, por el contrario, el Wrigley Building de 1921 en Chicago se construyó con una fachada de terracota pálida que se vuelve más blanca y reflectante con el aumento de la altura, para maximizar el efecto de la iluminación de los focos.[20][21][22] La iluminación era una parte importante de la competencia entre rascacielos.[23]
El edificio negro de André Fouilhoux de Hood y American Radiator Building de 1924 en Nueva York se utilizó para experimentar con la iluminación. Hood escribió en 1930:
Probamos luces giratorias multicolores y produjimos en un momento dado el efecto de que el edificio estaba en llamas. Lanzamos puntos de luz sobre chorros de vapor que salían de la chimenea. Luego, con luces móviles, hicimos que toda la parte superior del edificio se agitara como un árbol con un viento fuerte. Con la iluminación cruzada... se desarrollaron los patrones cubistas más inusuales.[24]
El diseñador de iluminación, Bassett Jones, abogó por un esquema de iluminación utilizando pantallas de color rosa, escarlata y ámbar:
Mi imagen mental de este edificio por la noche sería el resultado de verter sobre la estructura un vasto barril de material incandescente de color espectral que se desliza por las superficies perpendiculares, enfriándose a medida que cae y, como lava fundida resplandeciente, se acumula en cada hueco y detrás de cada parapeto.[24]
El edificio fue finalmente iluminado en ámbar. Incluso un crítico que consideró el edificio "teatral hasta un grado que lo expone a una acusación de vulgaridad" dijo que "por la noche, cuando... la parte superior dorada parece milagrosamente suspendida a cien y doscientos pies en el aire, el diseño tiene una belleza de ensueño[25] Georgia O'Keeffe hizo un famoso cuadro de él, Radiador americano—Noche (1927) en el que simplificó la arquitectura e hizo la iluminación blanca,[26] y The American Architect llamó a la iluminación "una de las vistas de la ciudad. . . . Las enormes multitudes que abarrotan este distrito por la noche bloquean el tráfico".[24]
La iluminación fue muy popular en las ciudades estadounidenses en las décadas de 1920 y 1930, tanto más cuanto que los precios de la electricidad se redujeron a más de la mitad.[19] Hacía que las ciudades parecieran un "país de las hadas" o una "ciudad de ensueño";[19] y editaba la fealdad, como la central eléctrica de las cataratas del Niágara[27] o "secciones pobres o antiestéticas" que por la noche se convertían en "espacios en blanco sin importancia" en un "mundo purificado de luz".[28] Además de las Ferias Mundiales, los festivales de luz fueron populares en Europa a partir de la segunda mitad de la década de 1920, siendo el más importante el de Berlín im Licht en octubre de 1928.[29][30]
Las autoridades de ambos lados del Atlántico habían argumentado en contra de la reducción de la iluminación y de los carteles publicitarios iluminados durante la Primera Guerra Mundial, a pesar de la necesidad de ahorrar combustible,[31] y al tomar el poder los nazis aplicaron inmediatamente la iluminación por focos como parte de su programa de edificios públicos que culminó con la Cancillería del Reich de Albert Speer de 1939, además del efecto de la Catedral de luz en la que se utilizaron focos para definir el espacio mismo en el Congresos de Núremberg.[32][33]
En Europa, la iluminación de las plazas públicas de las principales ciudades era más importante que en América, principalmente porque las ciudades americanas tenían menos plazas. París, en particular, reforzó su reputación como Ciudad de las Luces iluminando la Place de l'Opéra y la Avenue de l'Opéra ya en 1878,[34] y en 1912 Edith Wharton escribió a su casa angustiada por el hecho de que los monumentos de la ciudad estuvieran iluminados por la noche, "arrancados de su misterio por la vulgar intrusión de la iluminación".[35] Por el contrario, como las ciudades europeas apenas tenían rascacielos, la iluminación desde el interior del edificio o en su fachada dominaba el uso de la luz en la arquitectura moderna en una medida que no lo hacía en América. Algunos edificios utilizaban vidrio iluminado desde el interior; por ejemplo, la ampliación de 1907 de los grandes almacenes Samaritaine de París, con cúpulas de vidrio,[36] y los grandes almacenes Petersdorff de Erich Mendelsohn de 1928 en Breslavia, con escaparates de cinta iluminados por luces de neón sobremontadas que se reflejaban en la calle mediante cortinas blancas.[37] El énfasis en las superficies brillantes y planas para simplificar la iluminación ayudó a difundir el vocabulario arquitectónico del modernismo.[38] Los propios arquitectos llamaron la atención y abrazaron la mayor importancia de la publicidad iluminada, en lugar del enfoque estadounidense de iluminar un rascacielos como "un reluciente santo grial" o "el castillo de ensueño del Valhalla" e ignorar las posibilidades de rotulación de las "gigantescas y ampliamente visibles superficies de las paredes".[39] Häring llegó a congratularse de "la destrucción de la arquitectura" por la publicidad:
Es un hecho que los edificios comerciales ya no tienen fachada arquitectónica, su piel es simplemente el andamiaje para los carteles publicitarios, y las letras y paneles luminosos. El resto son ventanas.[10][40]
Su artículo, al igual que otras publicaciones de la época, contrasta vistas diurnas y nocturnas de edificios de muestra. Uno de sus ejemplos era la fachada remodelada del "Wachthof" de Arthur Korn. Un ejemplo posterior de mayor envergadura es el Jan Buijs de Volharding Building en La Haya, donde el hueco del ascensor y la torre de la escalera son ladrillos de vidrio, iluminados por la noche, y el letrero luminoso del tejado está superado por un hueco iluminado, pero además las enjutas entre las ventanas de chapa son de vidrio opalino, detrás de las cuales se montaron letras que anuncian las ventajas de la cooperativa de seguros para que se retroiluminen por la noche.[41] En 1932, Mildred Adams, escribiendo en la revista The New York Times, describió a Berlín, que aún no había construido ni un solo rascacielos, como "la ciudad mejor iluminada de Europa" debido a su "iluminación de exhibición [que utiliza] ladrillos de vidrio y vidrio opalino".[42]
Otra diferencia en la aplicación de la arquitectura de la noche en Europa resultante de la falta de rascacielos fue que los cines, como el Lichtburg de Rudolf Fränkel, el Ernst Schöffler de Carlo Schloenbach, y el Carl Jacobi de Berlín, fueron ejemplos particularmente llamativos de la arquitectura de la noche, a menudo "las vistas [nocturnas] más llamativas" en las ciudades.[43][44][45][46][47] En el caso de UfA, esto se extendió a las espectaculares transformaciones de las fachadas de los cines para anunciar determinadas películas.[48]
Un ejemplo tardío de arquitectura nocturna europea es Simpson's Department Store en Londres, codiseñado por László Moholy-Nagy, que también fue pionero en el arte de la luz cinética; recientemente había publicado un ensayo sobre "Arquitectura de la luz".[49]
La primera época de experimentación con la arquitectura de la noche llegó a su fin con la Depresión y los apagones de la Segunda Guerra Mundial.[1][20][50] Hasta 1956 no se publicó el libro de Walter Köhler sobre el concepto, Lichtarchitektur, editado por Wassili Luckhardt.[51]
En las décadas de 1950 y 1960 se volvió a explorar la iluminación exterior en la arquitectura, que esta vez llegó a su fin con la crisis energética de la década de 1970.[1][52]
Inmediatamente después del final de la guerra, se utilizaron espectáculos de iluminación para celebrar la victoria; por ejemplo, en Los Ángeles, el 27 de octubre de 1945, un centenar de reflectores, cada uno con una rueda de color de 16 pies, crearon una "corona de luz" sobre el Memorial Coliseum, y el verano siguiente, el festival "Victory Lighting" convirtió a Londres en un "país de las hadas" con edificios iluminados, fuentes iluminadas, fuegos artificiales y espectáculos de reflectores de colores sobre el Támesis.[53] Espectáculo de luz y sonido comenzó en el Chambord en mayo de 1952, inventado por Paul-Robert Houdin, que aparentemente se había inspirado en el uso de la iluminación de la preguerra en la Exposición Internacional de París de 1937 y en los monumentos de París.[54] Le Corbusier y Yannis Xenakis adaptaron la idea en la Expo '58 de Bruselas.[55] El uso de la iluminación nocturna en ciudades alemanas como Fráncfort inmediatamente después de la guerra fue un tipo diferente de aplicación arquitectónica, que indicaba la forma prevista de edificios, plazas y calles aún no reconstruidos "en una ciudad que, de día, sigue pareciendo más bien un barrio de chabolas o un enorme emplazamiento de bombas", como observó Gerhard Rosenberg en 1953.[55]
Al principio, la iluminación de los nuevos edificios era una preocupación arquitectónica menor que antes de la guerra, ya que las fachadas ininterrumpidas del Estilo internacional no tenían retranqueos que facilitaran la iluminación. Se necesitaban nuevos enfoques; edificios como el edificio de la sucursal bancaria de Manufacturers Trust de Skidmore, Owings y Merrill en la Quinta Avenida de Manhattan, terminado en 1954, y el Ludwig Mies van der Rohe, Philip Johnson y Ely Jacques Kahn de Seagram Building, terminado en 1958, utilizó paredes de cristal y techos luminosos para crear una "torre de luz", una actualización de la técnica de la transiluminación, es decir, iluminar el edificio desde dentro, que se había desarrollado en Europa en la década de 1920.[22][55][56][57] Ada Louise Huxtable escribió sobre el Manufacturers Hanover Building: "El conjunto, visto desde fuera, ya no es arquitectónico en el sentido tradicional: es un diseño, no de sustancia, sino de color, luz y movimiento"[58]
Ese mismo año, el Tishman Building de Carson & Lundin creó una "torre de luz" de una forma muy diferente, actualizando la tradición americana de iluminación exterior: El diseño de iluminación de Abe Feder utilizó lámparas de vapor de mercurio para iluminar uniformemente la fachada de aluminio y así recrear el aspecto diurno del edificio, con el acento de la dirección, "666", resaltado en neón rojo en la parte superior.[59] Arquitectos y críticos redescubrieron las posibilidades de la luz, aparentemente ajenos a los debates de antes de la guerra. Por ejemplo, también en 1958 un redactor de The New York Times declaró que "la iluminación [como] un arte que combina función y decoración" era "uno de los grandes avances de los últimos años en la arquitectura".[60] Gio Ponti condenó la iluminación como "primitiva y bárbara" y predijo "una nueva ciudad nocturna":
La iluminación se convertirá en un elemento esencial de la arquitectura espacial. . . . Mediante una autoiluminación prediseñada, esta arquitectura presentará efectos formales nocturnos nunca imaginados hasta ahora—ilusiones de espacios, de vacíos, de alternancias de volúmenes, pesos y superficies. . . . We artists will create luminously corporal entities of form.[61]
His 1960 Pirelli Tower in Milan was a prominent example of postwar European night architecture, using ceiling fluorescent lights in the three vertical sections into which the building is divided, and rooftop floodlights reflecting off the bottom of a cantilevered roof;[62] Walter Gropius and Pietro Belluschi's Pan Am Building was influenced by its form but used floodlighting at night.[55] El desarrollo de los "espectaculares" de señalización en Las Vegas también comenzó después de la Segunda Guerra Mundial, yendo más allá de los de Times Square de Nueva York (que, en cualquier caso, eran cada vez más dependientes de los focos y menos capaces de competir con la creciente señalización de neón y retroiluminada a nivel de calle)[63] hacia la tridimensionalidad, de modo que la arquitectura del Strip "[se convirtió en] símbolo en el espacio, en lugar de forma en el espacio".[64] Para 1964, Tom Wolfe señalaba que "los carteles se han convertido en la arquitectura de Las Vegas"; más tarde los denominó "arquitectura electrográfica".[65][66] También en 1964, el diseñador de iluminación Derek Phillips criticó esa arquitectura nocturna de la señalización por considerarla engañosa:
Hay pocas decepciones tan reales como entrar en algunas ciudades al anochecer y experimentar la sensación de escala y vitalidad que dan las fachadas de los carteles de neón, para descubrir a la mañana siguiente que uno ha estado en un poblado de chabolas a bajo nivel, sobre las que se han levantado grandes armazones de carteles. El aspecto nocturno no tiene por qué ser el mismo, pero debe guardar suficiente correlación con el aspecto diurno para que se aprecie como el mismo edificio.[67]
Hubo algunos experimentos con iluminación de color en la década de 1960, como las secuencias de 15 minutos de colores cambiantes en el Edificio Temático del Aeropuerto Internacional de Los Ángeles, que sustituyó la iluminación estática inicial con luz ámbar.[68]
El último resurgimiento del interés comenzó en 1977, con un renacimiento de la iluminación de los focos.[1][69] El color ha sido una de las principales preocupaciones, con el uso de secuencias computarizadas y, cada vez más, de grandes pantallas de Leds.[70][71] Los pisos superiores del Empire State Building fueron iluminados desde 1964 hasta 1973; El 12 de octubre de 1977, con una nueva instalación de iluminación realizada por Douglas Leigh, se iluminaron en azul y blanco para celebrar la victoria de los Yankees en las Series Mundiales, y desde entonces el edificio se ha iluminado en diferentes colores para celebrar diversas fiestas y otras ocasiones especiales,[69][72] a pesar de las objeciones de Paul Goldberger de que los colores "lo convierten en un juguete".[73] La Torre del Banco de América de I. M. Pei y Harold Fredenburgh en Miami, terminada en 1987, también cambia de color en los días festivos.[74] La iluminación computarizada moderna puede responder a las condiciones externas, como en la Torre de los Vientos de Toyo Ito de 1986 en Yokohama,[75] o ejecutar otras tareas complejas, como en la instalación de la fachada de los Forty-Second Street Studios de Nueva York, donde el ciclo de colores se acelera a lo largo de la semana, pasando de cambios lentos los lunes a cambios cada pocos segundos en las noches del fin de semana.[76]
Muchos ejemplos modernos de arquitectura nocturna están asociados a la arquitectura de festivales, tanto en entornos permanentes como Universal City Walk en Orlando, Florida, de John Johnston (1999). (1999), o en instalaciones temporales, por ejemplo obras de arte de John David Mooney como Light Space Chicago 1977, con focos en la orilla del lago de Chicago, y Lightscape '89, con luces y pantallas de colores en las ventanas del IBM Building de Chicago (con motivo del 75 aniversario de la compañía).[77] Los festivales de luz son cada vez más populares, y en las décadas de 1980 y 1990, este tipo de iluminación temporal fue popular en todo el mundo, a veces en combinación con actuaciones musicales, como con las obras de Jean Michel Jarre en Houston en 1986 y en el distrito La Défense de París en 1990.[70] Yann Kersalé ha realizado tanto instalaciones temporales (por ejemplo, en el Grand Palais de París en 1987, utilizando fluorescentes azules rítmicamente crecientes y decrecientes bajo la cúpula de cristal para sugerir un corazón que late) como obras permanentes en colaboración con arquitectos como Jean Nouvel y Helmut Jahn, por ejemplo, el Sony Center en la Potsdamer Platz de Berlín (2000), donde la torre de oficinas se ilumina con focos y las membranas de fibra de vidrio colocadas sobre el atrio se iluminan en una "extensión de la luz del día" cada tarde y luego en una sucesión de secuencias que emulan la puesta de sol hasta la medianoche, cuando la iluminación se vuelve azul oscuro hasta poco antes del amanecer, cuando se vuelve blanca hasta la plena luz del día.[70][78][79] Hubo muchas exhibiciones de focos en asociación con el final de 1999 y el principio de 2000, y el Tribute in Light en el que las torres gemelas del World Trade Center se conmemoran en ejes gemelos de luz blanca es una aplicación comparable.[80]
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