图像小说
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图像小说(英语:Graphic novel),又译“视觉文学”,是一种利用漫画表现手法进行创作,并且集结成书的作品,主要目标受众为成人读者。在当今西方漫画创作界中,这个名词通常隐含著内容更复杂、更有企图心的意涵,想要和传统针对儿童创作的漫画做出区隔。[1][2]
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《鼠族》在1992年以漫画形式首度普立兹奖,2000年后《我在伊朗长大》(直译《波斯波利斯》)在西方世界狂销,让“图像小说”这个名词进入出版主流市场。美国图像小说家艾莉森·贝克德尔以《悲喜交家》(或译《欢乐之家》)横扫众多同志与传记文学奖,并因突破性的叙事成就,与人权律师、科学家等并列荣获2014年麦克阿瑟基金会杰出表扬。[3]如今全球许多国家的文学奖助,都开始补助图像小说。[4]全球文学节纷纷邀请图像小说的创作者与会,更是前所未见的新现象。
德国重要图像小说出版社“Reprodukt”创办人德克·雷姆(Dirk Rehm)说:“图像小说这个词对行销有具体帮助。现在德国有些成人读者甚至会说我看图像小说,不看漫画。”[5]这就像同样读小说,却有明确的读者区隔,来满足不同的需求。图像小说的读者比较接近文字书读者,而非娱乐性的漫画读者。如今,柏林国际文学节邀请图像小说作者与会,图像小说作品《蓝色是最温暖的颜色》改编电影夺下坎城金棕榈大奖;《欢乐之家》(Fun Home: A Family Tragicomic)叫好叫座的改编百老汇歌舞剧,甚至举办了学术研讨会;而东京世田谷文学馆于2015年举办漫画家/图像小说作者冈崎京子特展……[6]。从这些现象我们也可看到同为广义的漫画,其定位却截然不同。
2000年后,从《吉米·科瑞根》、《我在伊朗长大》到《悲喜交家》,图像小说类陆续出现叫好叫座的代表作品,进而带动主流阅读市场,并在世界出版不景气之下逆势成长。德、英、荷、加等图像小说类的市场小国,如雨后春笋陆续成立新锐图像小说出版社,而英美正规大型文学出版社也都开始投入经营。[7]甚至日本漫画作品翻译到海外,只要目标为成人读者,文学艺术性强烈,也都被归类到图像小说的分类当中,譬如妖怪大师水木茂[8],或者法国销量比日本更高的国际大家谷口治郎。
根据韦伯字典的定义,图像小说为“以漫画形式呈现并出版成书的虚构故事”[9],但这个词汇并没有非常明确的定义,在许多图书馆或书店中,也常把不构成连续故事的漫画书集、精选辑、或是内容松散连结性不高的作品集,甚或是非虚构类的作品列入图像小说区。此术语有时也被定义为独立故事的漫画作品,用来与长期连载的漫画区分。[10][11]
在欧洲,雨果·普拉特的《咸海的悲歌》(1967)、圭多·布泽利的《丑人的反叛》(1967)、艾尔吉的《丁丁历险记》(1929)等等原创长篇故事,以及漫画合集,自19世纪末以来通常以精装本形式出版,这种形式常被称为精选辑,这些漫画合集也常被视为图像小说的一种。
50年代的美国相当保守。政治上,麦卡锡利用反共的名义,铲除异己、推行白色恐怖,自由解放被当成威胁社会安定的毒瘤。这股紧绷的气氛延伸到立法机关,官员听信保守派心理学家的说法,觉得电视和漫画毒害青少年影响社会风气。1954年,《漫画自律法》(Comic Code Authority)正式推行,此后所有漫画出版品都必须接受美国漫画杂志出版商协会审查,否则不得在市面上流通。这项自律法的内容非常耐人寻味,譬如:规定黑人不得担任主角,警察在故事中不得被画为反派,非正常性行为(如同性爱)不得出现在漫画内容当中等等。从同志议题、性自主到政治参与,“儿童不宜”这个标签,变成种族歧视、性别歧视和巩固国家暴力的工具,进而直接干预言论自由。
随著60年代反战、性别平权、消弭种族歧视等等运动兴起,年轻世代开始利用自己熟悉的表现方式冲撞当权主流。漫画就像摇滚乐,透过年轻人熟悉并喜爱的表现形式,开始和社会对话。既然不能正式出版,英美的漫画家们把comics改成comiX,自己把自己标上限制级的“X”,进行地下独立出版,正面挑战保守价值观。与此同时,日本也出现相似的运动,反美、反战还有左翼思潮结合在一起,学运学生高喊标语,一手高举国际新闻杂志,一手高举漫画刊物。就像电影有新浪潮一样,漫画就在这时出现自己的新浪潮,开始席卷全世界。
战后婴儿潮在这股社会变迁中,扮演相当重要的角色。一方面,创作者和读者一起长大,不再想要只是画骗小孩的囡仔册,希望透过自己的画笔和世界对话。另一方面,创作题材也跟著社会关怀的方向一同解放,不再局限于冒险、爱情与英雄,同时也可以描绘绝望、社会黑暗、复杂人性或者价值冲突。1964年,长井胜一在日本创办漫画杂志《GARO》,吸引安西水丸(插画家)、系井重里(广告创意总监)、鹤见俊辅(当代重要哲学家)、铃木清顺(艺术电影大导)等文化人投入,广受学运时代支持。美国发展到80年代,漫画家Art Spiegleman不仅创办前卫漫画艺文杂志《RAW》,更以《Maus》这部动物拟人化作品,描绘父母逃离纳粹大屠杀的个人经验,首度以漫画夺下普立兹奖。
为了区隔自己画的东西和过往以儿童为主要读者群的“漫画/Comics”不同,东西方漫画界先后发明“剧画”、“万画[12][13]”、“BD Novel”、“Illustories”、“Picto-Fiction”“Sequential Art”等各式各样的名词作区隔。如今一般倾向用“动画”(animation)而非“卡通”(cartoon)来描述影像类的绘制作品,正是为了摆脱稚气,包容更广的艺术概念与表现形式。在发展50年后,“图像小说”(Graphic Novel)已经成为一个普遍的专门文类。
亚洲的漫画出版近年来也跟随西方的漫画出版风潮,将“图像小说”的概念引入。如日本主流出版社改用“青年漫画”“女性漫画”指称成人阅读的漫画作品,或直接因应三十岁到五十岁的目标读者群创办漫画杂志。当日本漫画作品翻译到世界各国时,外国出版社也都会依据作品的文学艺术性作区隔,把手冢治虫、谷口治郎等重新包装定位成图像小说。台湾亦有部分出版社发行图像小说杂志,来推广图像小说这个文学艺术形式,如《Zigma》[14]、《G-Papers》[15]等。
漫画与图像小说的定位区隔与差异,在一般书店表现非常明显。在美国,这个文类还有另一个意义,因为一般所谓的“comic books”指称的是轻薄的漫画期刊,普遍规格约30页,只能进入杂志通路在书报摊贩售,不被当成真正的书。北美过去的“comic books”会四五册集结成稍有厚度的合订本(Trade Paper Back: TPB)。然而两到三本合订本才会集结成书的厚度。这种定义上的差异促使一般书店完全不会贩卖“comic books”,只会贩卖集结成书的“图像小说”。在图像小说出现之前,美国并没有漫画“书”的概念。[16]如今,轻薄廉价的漫画只会在书报摊和漫画专卖店贩售,不可能出现在一般书店。一般艺文、社科等人文书店可能完全不进青少年漫画,但是却普遍拥有图像小说专区。从旧金山跨世代文艺诗人独立书店“City Lights Bookstore”,到伦敦大型独立书店“Foyles”,均可看到图像小说以独立专区陈设在纯文学、类型小说与艺术设计之间,柜位连年扩大,甚至占满整面墙。
部分漫画界人士认为图像小说一词没有存在必要性,或是认为此称呼已被商业利益给绑架侵蚀。《守护者》的作者艾伦·摩尔认为:
“这就只是一个行销用语......我对这个词根本没有任何归属感,‘漫画’一词对我而言就已经够用了......问题在于,现在的‘图像小说’根本就只是某种‘昂贵的漫画书’而已,漫威漫画或DC漫画那些人,单纯觉得‘图像小说’这个词比较吸睛,所以把近期出版的随便六期垃圾集结成书,贴上一个光鲜亮丽的封面,称之为《女浩克》图像小说,这就是你买到手的东西。”[17]
美国文化评论家葛伦·威尔登亦认为:
“现在是废除‘图像小说’或是‘连环艺术画’这种术语的最好时机,这些术语根本就只是在对其他不相干的艺术形式搭便车。更何况,这两种术语之所以会出现,就只是为了遮羞与辩解,所以两者都散发出一种绝望的感觉,渴望著能获得人们的接纳。忘掉它们,就称呼他们‘漫画’(Comics)吧。”[18]
作家丹尼尔·雷本写道:“我对这个新词嗤之以鼻,首先是因为它那种缺乏安全感的自命不凡——就像是艺文界版本的把收垃圾的称呼为‘卫生工程师’——再来,‘图像小说’的确不是单期薄本漫画或是漫画杂志,但它实际上,就是自己羞于承认的东西:一本漫画书。”[19]
英国奇幻作家尼尔·盖曼,对那些宣称他不写漫画书,只写图像小说的人回应:“我想这大概是一种赞美,但突然间,我觉得自己其实就只是被告知‘你不是妓女,你是个夜间女郎。’”[20]
如同许多发展中的概念,这个专有名词至今还是充满争议,并没有非常严谨的定义,即使在西方世界,在不同的圈子我们也会看到不同的用法。学术圈、图像小说出版社、带有文艺倾向的漫画创作者认为这个名词有助于进行读者区隔[1],然而并非每个作者都接受自己被贴上这样的标签。
《Bone》创作者杰夫·史密斯在回应作家道格拉斯·沃克有关于图像小说与漫画书的区别是“装订”的玩笑时,他表示:“我有点喜欢这个回答。因为‘图像小说’……我不喜欢这个名字。它有点太刻意了。它就是漫画书。但是有一个区别。这个区别在于,图像小说是一本小说,意思是它有一个开头、中间和结尾。”《泰晤士报》作家贾尔斯·科伦说:“称它们为图像小说是在假设小说在某种程度上比漫画书‘更高级’,并认定只有当它们被认为是一种小说时,才能被理解为一种艺术形式。”
另有部分漫画家创造了自己的术语来描述自己的长篇漫画故事。丹尼尔·克洛斯的《Ice Haven》(2001)封面将这本书称为“连环漫画小说”,克洛斯指出他“从来不认为‘漫画’这个词有什么不对”。克雷格·汤普森的《Blankets》的封面称其为“插画小说”。
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